quadrimestrale nazionale
anno XXXIII nr 4

Inverno 2009
intervista pagg 49 & 50

A cura di
Elisabetta Testa

Cit:
Gabriella Riccio
Caosmos | cia Gabriella Riccio
Noli Me Tangere
Contemporanea

SPAZI PER LA DANZA CONTEMPORANEA
E’ progetto editoria dell’ETI Ente Teatrale Italiano
Quarto Volume edito e distribuito da Editoria & Spettacolo
A cura di Ada D’Adamo

In “Danzare in Campania una ricognizione” di Adriana Pollice
cit p.114 : Gabriella Riccio, Caosmos|cia gabriellariccio, Noli Me Tangere cit p. 119 : Gabriella Ricio

In “Transitidanza ritorno a Napoli” di Ada D’Adamo
cit foto p 124 : Noli Me Tangere   – Gabriella Riccio & Paolo Rudelli
cit p. 125 : Gabriella Riccio

“Tra le nuove realtà della scena napoletana Gabriella Riccio, danzatrice, coreografa e regista con alle spalle una formazione classica prima di affacciarsi alla scena europea, studiando con maestri quali Kirstie Simson, Frey Faust, Julyen Hamiton, Akira kasai, fino a diventare dal 1998 al 2003 interprete e assistente del maestro e coreografo giapponese Hal Yamanouchi, per trasferirsi nel 2004 a Berlino dove diviene assistente e interprete del coreografo Felix Ruckert. Come manager ha lavorato alla quinta Piattaforma della danza e performance 2000 del Festival Montpellier Danse per la Fondazione Romaeuropa con cui ha collaborato per diversi anni. Nel 2003 fonda a Napoli la compagnia che porta il suo nome, un gruppo di ricerca sui territori del corpo e della performance attivo all’interno di Caosmos – centro per l’arte e per il management culturale che fonda nel 2001. I suoi ultimi lavori – Guerrilla Remixed e  Echo Resonance & Memory – sono andati in scena in diverse città italiane. Noli Me tangere, duo firmato con Paolo Rudelli, ha partecipato alla seconda edizione della rassegna “Transitidanza” al Teatro Nuovo.”

Adriana Pollice p.114

ALLA LOCANDA VERDE
concerto avanspettacolo per solita solfa e voci (45’)

SUPERLOWed
a seguire videoclip l’arte del decoro di roger marin mountanè
sabato 19 dicembre h 18.30 @ caosmos gallery

Se Cabaret deve essere che sia quello Verde cantato dal postadolescente Rimbaud. La locanda della felicità che spesso corroborava spirito e membra dolenti, dopo una lunga giornata di bagordi e peripezie, al giovane impiastro di Charleville. Sabato 19 dicembre la Caosmos Gallery di via Bonito muterà per una sola impalpabile sera in quella fantasmagorica location della vita notturna di fine ’800. Pare quasi di esserci già.

J.L. NANCY   J. BAUDRILLARD

dialoghi tra filosofia e danza (60’)
tommaso ariemma / gabriella riccio
domenica 13 dicembre h 18.30 @ caosmos gallery

Domenica 13 dicembre ore 18.30 l’assolo di danza Mensch – über Schönheit sarà seguito da un dialogo tra filosofia e danza (60’). Il giovane filosofo Tommaso Ariemma,  anima una conversazione-dibattito con Gabriella Riccio, quanto mai attuale, su Jan Luc Nancy e Baudrillard, i due filosofi contemporanei francesi che hanno ispirato Gabriella Riccio per la scrittura coreografica di Mensch e Noli Me Tangere, due sue recenti creazioni,  tradotto, il primo, dal giovane studioso napoletano che ne ha curato la pubblicazione per prestigiose edzioni.

Ariemma e Riccio applicano le griglie culturali proprie del sapere filosofico a sofisticate partiture della performance. In particolare, si concentreranno sulla filosofia dell’esposizione nelle partiture poetiche e artistiche, sul ruolo della bellezza e della fragilità per i filosofi francesi – cari ad entrambi gli autori.

Tommaso Ariemma dottore di ricerca in filosofia,ha tenuto lezioni, seminari e corsi presso diverse università italiane e presso l’Accademia di Belle Arti di Lecce. Ha fondato e diretto la rivista di filosofia ‘Ameba’e ha fatto parte di diverse redazioni di riviste filosofiche. Suoi articoli sono apparsi su:‘La società degli individui’,‘Rivista di estetica’,‘Babelonline/print’,‘Kainos’. Ha tradotto e curato testi di Badiou, Nancy, Baudrillard, Derrida, e pubblicato i volumi: Fenomenologia dell’estremo. Heidegger, Rilke, Cézanne (Mimesis 2005), Il nudo e l’animale. Filosofia dell’esposizione (Editori Riuniti 2006), Il senso del nudo (Mimesis 2007), L’estensione dell’anima. Origine e senso della pittura (ombre corte 2009), Logica della singolarità. Antiplatonismo e ontografia in Deleuze, Derrida, Nancy (Aracne 2009). http://ariemma.wordpress.com

MENSCH UBER SCHONHEIT
coreografia d’autore (30’)
idea e coreografia gabriella riccio/su musiche di elio martusciello

domenica 13 dicembre h 18.00 @ caosmos gallery
segue ‘dialoghi tra filosofia e danza

replica
venerd’ 18  dicembre h 21.00 @ caosmos gallery
domenica 20 dicembre h 18.00 @ caosmos gallery

produzione Caosmos – cia Gabriella Riccio © 2006

crediti:

- creato su commissione del Goethe Institut Neapel nel 2005
- presentato al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli nell’ambito della Rassegna di danza contemporanea Di Seconda Mano edizioni 2005 e 2007
- il video riceve una menzione orale della giuria al festival internazionale di videodanza Il Coreografo Elettronico per la qualità del lavoro coreografico 2006
- invitato alla Giornata Mondiale della Danza dall’Ente Nazionale di Promozione di Napoli nell’ambito della vetrina per la nuova coreografia d’autore 2007
- il video è stato presentato dal Filmstudio80 di Roma per la rassegna Il video d’autore Made in Italy: tra genio e sregolatezza 2007
- presentato nell’ambito di MoviIMentale festival di video e danza a Napoli nel 2009

L’assolo – parte del trittico di Mensch – über Schönheit – è spirato alla bellezza esibita, come concepita da J. Baudrillard  la concezione del corpo contemporaneo come corpo macchina, corpo oggettivizzato, corpo plastificato, irraggiungibile, intoccabile, esibito. Un movimento pubblico, logico e razionale, modulare, progressivo, simmetrico, materiale. Il lavoro coreografico è stato sviluppato intorno alla percezione da parte del pubblico  di tempo/durata e di equilibrio/disequilibrio. L’impianto coreografico si articola sui sitemi di composizione che sottendono l’impianto musicale della musica gestuale di Elio Martusciello in Unoccupied Areas.

____________________________________________

Gabriella Riccio. Giovanissima si avvicina alla danza classica, poi al contemporaneo. Successivamente inizia una ricerca personale attraverso l’incontro con Julyen Hamilton, Kirstie Simson, Frey Faust, Dominique Dupuy, Akira Kasai, Masaki Iwana, Yumiko Yoshioka, Kathrine Linklater. E’ interprete per il giapponese Hal Yamanouchi dal 1998 al 2002.  Dal 2003 al 2004 è interprete a Berlino per la cia Felix Ruckert danzando in Secret Service, Ring, Love Zoo. Dal 2001 fonda CAOSMOS  formazione con cui presenta i suoi lavori come autrice coreografa e interprete. Presenta ‘Watchtouch’ nel 2003. Dal 2004 al 2006 con il contributo del Goethe Institut Neapel realizza Korpersprache 2004, K.i.s.s.#1- about fragilty 2005, Mensch – uber Schonheit [trittico] 2005, Mensch uber Schonheit [solo] 2006 che riceve una mensione orale della giuria al festival ‘Il Coreografo Elettronico’ per la qualità del lavoro coreografico. Del 2008 Echo Resonance & Memory e Guerrilla Remixed (interventi di danza urbana per  il NTFI). Per Carmine Rezzuti esponente della transavanguardia napoletana presenta la performance Diventa ciò che sei. Nel 2009 Noli Me Tangere di cui è regista, coreografa e interpete, insieme con Paolo Rudelli. Presentato come studio al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli per ‘Transitidanza 2  e selezionata da Mauro Petruzziello per ‘Deus Ex Machina 0.1 nuove tecnologie applicate alla performance’ negli spazi del Kollatino Underground di Roma ha recentemente debuttato in Germania al Dock11 di Berlino.

CAOSMOS gruppo attivo dal 2003. ll gruppo parte da una ricerca sul corpo e la performance contemporanea. Da primi esperimenti  incentrati sulle percezioni con performance  concettuali presentate in spazi non convenzionali in cui il pubblico veniva coinvolto in modo attivo e diretto la ricerca si approfondisce indagando in modo più sottile il territorio delle “percezioni” con proposte concepite per lo spazio teatro. Dal 2008 l’indagine include una sperimentazione con l’interazione con le nuove tecnologie e  nel 2009, partendo dalla danza, il lavoro prende una forma più articolata sia dal punto di vista drammaturgico in rapporto con la parola sia nel rapporto con la tecnologia ilavorando con ‘ambienti sensibili’ applicati alla performance.

DJ A PAROLE
l’unico Dj che non mette musica (45’)

valerio millefoglie
sabato 12 dicembre h 18.30 @ caosmos gallery

dopo il successo dello scorso 28 novembre alla Triennale di Milano è a Napoli Valerio Millefoglie con il suo DJ A PAROLE

Non ha vinili, ha l’alfabeto. Non mette l’ultima hit, mette frasi prese da ovunque. Da film,  da programmi radiofonici di una volta, da monologhi d’autore e da discorsi da bar registrati di nascosto e riproposti senza privacy.

Un blob per sole orecchie che fa ballare a tempo di una balbuzie ritmica e della cantilena-scioglilingua dei venditori di mucche di un vecchio documentario di Werner Herzog. E ancora frasi mandate in saturazione agitando le manopoline di un campionatore d’epoca, concetti stretchati, libri letti al contrario che rivelano messaggi demoniaci come dischi heavy metal, il tutto intramezzato da veloci composizioni per voce e pianola Bontempi.

L’evoluzione della parola e del silenzio.

Un dj set dalla A alla Z, per uscirne con la maglietta, e con la mente, sudata.

Genere: discoteca con netiquette da biblioteca.

Dietro le cuffie di DJ A Parole c’è Valerio Millefoglie, autore del romanzo trasformista “Manuale per diventare Valerio Millefoglie” (Baldini&Castoldi Dalai, 2005) da cui sono stati tratti un reading portato in tour con CapaRezza e una canzone inedita nell’ultimo best of di Eugenio Finardi. Ha scritto su «Linus», «Rolling Stone», «Il Mucchio».

www.valeriomillefoglie.com
www.youtube.com/quantamarmellata

Come sono diventato l’unico dj che non mette musica

Due cose mi hanno sempre affascinato. Le camerette e i tasti. Le camerette sono dotate di porte, di tapparelle e di tutto quello che ci sta dentro. I tasti corrispondono alle azioni. Spingo e qualcosa ha inizio. Ed ecco il frullato, ed ecco il toast, ed ecco il Rec. Circa un anno fa ho deciso di dare un tocco di tasti in più alla mia casa, che è tutto tranne che casa. Non faccio frullati, non faccio toast, non mi resta che fare Rec. Sono andato sul sito di compravendita e-bay e ho cercato un campionatore. E’ stato un acquisto fatto d’istinto. Ne ho trovato uno molto bello, abbastanza vecchio e ho fatto la mia offerta. Ne sono arrivate altre, ma per tre giorni ho tenuto testa a tutti e me lo sono aggiudicato. Un vecchio campionatore Roland Sp 404 pieno di manopoline, tastini ed entrate per cuffie e microfono. Io e il venditore ci siamo dati appuntamento fuori dalla metropolitana Moscova di Milano. L’ho riconosciuto dal gel. Dalla scala mobile del metrò ho visto spuntare prima un ciuffo di capelli neri, ben dritti, gli facevano un muro in testa, svettavano superbi verso la superficie. Poi ho visto spuntare degli occhialoni da sole con la montatura colorata viola e due braccia, in una felpetta a stelline, strette attorno a uno scatolone con il logo della Roland. Era il mio dj. Ci siamo salutati da colleghi. Non potevo certo spiegargli che io non lo sono affatto e che gli compravo il campionatore solo per ripicca contro frullatori e tostapani. Mi ha proposto di andare a prenderci qualcosa da bere così ci siamo recati in un bar molto chic. Io, un giovanissimo dj e un campionatore di entrambi. Abbiamo ordinato del vino. Poi il giovane dj ha chiesto alla cameriera un tovagliolo. Il tovagliolo era sul tavolino affianco al nostro. Avrebbe potuto prenderlo lui allungando un braccio. La cameriera mi ha guardato come per dirmi “ma è scemo”. Io che sono un vigliacco ho abbassato lo sguardo. L’ho usato soltanto per poche serate, mi ha detto il giovane dj battendo la mano sullo scatolone, fino a quando non mi sono accorto che non mi serviva molto, ora utilizzo un Aiogeooicbowbf (non ricordo la marca nè il modello del campionatore nuovo da lui usato). Metto musica tecnhotonic. Ah,  ho detto io, sperando che quel mio “ah” gli trasmettesse “ah certo che so di che si tratta”. E tu, mi ha chiesto, tu che musica metti? Non mettendo alcuna musica io, su due piedi gli ho risposto Non metto musica, metto parole. Lui non l’ha capito e ci ha bevuto sopra. Io anche. Tornato a casa con il mio nuovo campionatore ho cominciato a campionare frasi. Prima dette da me. Poi dette da altri, di solito gente sconosciuta presa a caso digitando assurdità su youtube. Poi sono andato a digitare in rete quelli che sono i miei riferimenti: Ettore Petrolini, Antonio Rezza, l’alfabeto letto dai piccoli. Ho iniziato a mixarli spingendo tastino dopo tastino. Sentivo che formavano dei discorsi più ampi, e che in comune non avevano solo lettere, ma molto di più, tanto da poterli davvero miscelare come due vinili, tanto da dargli un tempo ritmico, effettarli, ribatterli, farli dialogare. Ho chiamato alcuni amici scrittori, qualcuno è venuto a casa da me, qualcun altro sono andato a trovarlo io, gli ho messo il microfono davanti e li ho registrati a random. Con il registratore del cellulare sono andato in giro a catturare di nascosto i discorsi della gente sui tram, per strada, negli uffici o al bar. Una mattina ho registrato un barista che augurava così tanti buongiorni da non averne più nessuno per lui e per tutta la sua famiglia. Poi tornato a casa li ho tagliati e li ho inseriti in un dj set. Un dj set fatto tutto di parole. Come il mio nome. Dj A Parole. L’unico dj che non mette musica. La postazione del campionatore è in salone, sopra un mobile bar d’epoca. Io mi sistemo su uno sgabello girevole. Era a casa dei miei genitori e da piccolo vedevo questa struttura immensa su cui dovevo arrampicarmi. Ora posso facilmente dominarla. Al mio fianco ho la libreria, la videoteca, il computer e svariati strumenti giocattolo, pupazzi carillon, autobus in miniatura e col sonoro, radioline, cassette, ho tutto il mondo nella cameretta. Quando sono in salone non faccio altro che chiudere la porta di casa, mettermi le cuffie e cominciare a mixare, a scoprire gente su youtube, a leggermi passaggi di libri o a guardarmi spezzoni di film e serial tv. Molti finiscono sui tasti. Io ballo, mi agito, pompo i bassi, lavoro sui difetti di pronuncia, sui respiri, su frasi come “Divertiti, divertiti perché sei giovane!”, “In questa chiesa ci si sente accolti meglio che in un circolo Arci”, “Amico vento viene veloci”, frasi mandate in loop, a ripetizione, saturate che dimostrano tutta la drammaticità delle parole “divertimento”, “giovane” e della solitudine dell’amico vento che viene veloce.

Dj A Parole

NOLI ME TANGERE +
K.I.S.S.#1 – ABOUT FRAGILITY

foto di Piero Cremonese
dal 11 al 20 dicembre @ caosmos gallery

Un incontro tra danza e fotografia. Due produzioni di Caosmos : nel caso di K.I.S.S.#1 ABOUT FRAGILITY le foto di Piero Cremonese documentano la fase di ricerca e creazione del lavoro della coreografa Gabriella Riccio. Per NOLI ME TANGERE , auori e interpreti Gabriella Riccio e Paolo Rudelli, si tratta di foto di scena delle prime rappresentazioni al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli per TRANSITIDANZA 2  e nella suggestiva cornice del T.I.N. Teatro Instabile Napoli con uno sguardo più ravvicinato.

Gabriella Riccio: L´incontro con Piero è stato improvviso e accidentale. Era il periodo di creazione di K.I.S.S.#1, avevamo appena visto “apparire” le potenzialità del lavoro e volevamo conservarne una testimonianza. Piero arriva, la prova è già in corso, monta la sua macchina fotografica e mi chiede il permesso di “potere stare tra noi”. Sì, lui non vuole stare fuori a fotografare e guardare…lui si mette a camminare tra me, Léonard e le sei persone bendate… così è cominciato tutto. L´incontro era perfetto. Piero era assolutamente in sintonia con il lavoro. Una danza che si vive da “da dentro”. Lasciare Piero muoversi tra noi, venire vicino, anche molto vicino seguiva la dinamica del lavoro, eravamo ancora più esposti, ancora più fragili, lui non aveva paura della prossimità e dell´intimità…Vedere i suoi scatti è stato il passo successivo per capire che avremmo continuato a lavorare insieme.

Ci siamo incontrati in modo casuale, inconsapevole…tutto si è fatto spontaneamente, un passo dopo l´altro… Ci unisce l´interesse per l´umanità, gli individui, le relazioni interpersonali. La curiosità per le dinamiche degli incontri. La sua fotografia “vive” l´esperienza del lavoro. I principi che ci muovono mi sembrano gli stessi.

Piero Cremonese.: La proposta di fotografare il work in progress di una giovane coreografa indipendente è arrivato in un momento in cui desideravo percorrere nuove strade; al mio modo di fotografare, solitamente razionale ed estetico, volevo aggiungere una maggior partecipazione emotiva, cercare di trasmettere attraverso le immagini anche ciò che mi interessa al di là della fotografia: le relazioni tra gli individui, i loro modi di essere e di comunicare, la verità dei loro incontri. Da qui la mia richiesta di non essere al di fuori dello spazio performativo, ma di farne fisicamente parte, per cogliere meglio le sfumature di ognuno di loro e per dare a me la possibilità di non essere semplicemente un osservatore esterno. Il lavoro con Gabriella è stato un terreno fertile per la mia ricerca di nuove soluzioni fotografiche che ben si sposa con il suo percorso di ricerca di nuove soluzioni comunicative attraverso la danza.

c.v. Piero Cremonese (Napoli, 1981)

Inizia a lavorare come cameraman ma approda presto alla fotografia. Dal 2000 è a Roma dove si diploma all’Istituto Europeo di Design in Arti Visive, indirizzo fotografia. Vincitore di una borsa di studio all’ultimo anno, ha la gestione dei vari laboratori del dipartimento. Assistente di fotografi (nazionali ed internazionali) nel ritratto d’autore, nel ritratto editoriale e nella comunicazione aziendale, si cimenta anche nella pubblicità come location scouter e assistente di produzione. Inizia l’attività di fotografo documentarista seguendo, tra le altre cose, le attività pastorali all’estero dell’Arcivescovo Metropolita di Napoli.
Attualmente è iscritto all’Università di Roma Tre in “Comunicazione nella società della globalizzazione”. Collabora stabilmente con società B2B come Andiamo! Services, Fanal Comunicazione, Net Congress, Revolution e altre.

La sua strada principale l’ha trovata nella documentazione spaziando dal mondo della moda al teatro e al cinema, dall’arte performativa alla musica.

Giovanissimo ha già al suo attivo collaborazioni significative nel settori del cinema d´autore, della moda e dell´arte contemporanea sia in Italia che all´estero, come quella per  Daniele Puppi e la Lisson Gallery di Londra, Roma Film Commission, Yoshiro Kawaguchi e Fendi, Gattinoni, Festival Scelsi, Caosmos / cia Gabriella Riccio e altri ancora.

pubblicazioni e mostre
2003 mostra High Fashion in action Parco della Musica, Roma
2003 manifesto The innocents  National Film Theatre, Londra
2003 mostra collettiva Riciclando 2003  Palazzo Ruspoli, Roma
2004 agenda AltaRoma AltaModa
2004 manifesto Jamie and the red ballon National Film Theatre, Londra
2004 libro Roma Imperiale ed. Intrammoenia
2005 cartoline Roma Ieri-oggi  ed. Intramoenia
2006 mostra itinerante Sottosuoli, Roma
2006 catalogo Renato Meneghetti, Palazzo Venezia, Roma

alain platel / fabrizio cassol / sophie fiennes
venerdì 11 dicembre h 19.00 @ caosmos gallery
video courtesy of Les Ballets C de la B

AZIONI inizia venerdì 11 dicembre ore 19, con la proiezione di Vsprs Show and Tell, il pluripremiato documentario (70’) di Alain Platel, musiche di Fabrizio Cassol e l’orchestra barocca degli Oltremontano e la regia di Sophie Fiennes. Il video che ha inaugurato la rassegna di introduzione ai linguaggi della performance “contemporanea 09″ presentata a Caosmos a Maggio.  Una danza provocatoria e oltraggiosa, la più forte e discussa mai espressa dal coreografo belga.

leggi >> altrevelocità

In VSPRS Show and Tell Sophie Fiennes, regista inglese che ha focalizzato la sua produzione sul tema performance e identità, documenta il lavoro discusso ultimo lavoro di Platel e della sua compagnia nel metter in scena VSPRS una performance che esplora la connessione tra fede e follia, muscia antica e danza contemporanea. Traendo ispirazione da documenti filmati d’epoca di carattere medico o etnografico la compagnia di Platel naviga attraverso le complicate manifestazoni fisiche della devozione ed espone l’intersezione tra sacro e profano.

Les Ballets C. de la B. (l’abbreviazione sta per Les Ballets Contemporains de la Belgique, ironico richiamo alle storiche compagnie di balletti del Novecento) è una compagnia di danza contemporanea, multicoreografica, operante in progetti a cast variabile, indissolubilmente legata al nome del suo fondatore, il coreografo, pedagogo e danzatore Alain Platel. La compagnia nasce ufficialmente nel 1984 dal gruppo di amici e artisti con cui Platel aveva cominciato a lavorare applicando sistemi pedagogici. Con lo spettacolo Emma (1984) Platel si afferma come regista, ma è con Bonjour Madame(1993) e La tristezza complice(1995) che Les Ballets C. de la B. conquista l’attenzione internazionale, diventando una delle compagnie di danza contemporanea più interessanti per la ricerca svolta nel campo del teatro-danza e per l’attenzione alle molteplici possibilità di rappresentazione sulla scena.

Il regista Alain Platel ricorda molto bene la prima volta in cui, adolescente, ascoltò il Vespro in una chiesa di Gand, durante una canicolare giornata estiva. Gli strumenti barocchi originali esprimevano una condizione di aspra dissonanza, in cui forse egli vide un legame con quella lacerazione interiore propria della musica tzigana. Qualunque cosa fosse, si trattava comunque di una delle opere più riuscite del repertorio liturgico.

Composto nel 1610, il Vespro della Beata Verginefu il biglietto da visita del compositore Claudio Monteverdi, che in quella fase della sua vita era alla ricerca di un nuovo committente e voleva dimostrare il suo eclettismo: egli non rinnegava certo l’antico, ma aspirava comunque a percorrere vie del tutto nuove. La sua musica non era solo l’espressione di una religiosità collettiva, ma dava spazio anche all’espressione individuale. L’armonia e la melodia restavano fondamentali, ma il contrappunto e la ritmica si caricavano di un’emozione intensa.

In ogni modo, non è certo un’interpretazione semplice e diretta del Vespro quella che propone Platel con vsprs. Egli opta per una via più avventurosa, ed è in questo assistito da Fabrizio Cassol, il direttore musicale del progetto. Cassol arricchisce questo progetto, che prevede l’utilizzo di diverse culture musicali, introducendo il suo trio d’improvvisazione Aka Moon (batteria, sassofono e basso), due musicisti tzigani (violino e contrabbasso), Oltremontano, un gruppo di musica barocca (due trombe barocche e due tromboni) e un soprano. Questo eterogeneo insieme si lascia così ispirare da vari temi del Vespro, alla ricerca di possibilità ancora inesplorate.

Per vsprs, Platel ha riunito dieci danzatori di grande agilità, capaci di prodezze fisiche. Essi provengono da varie parti del mondo, ma non sono certo stati selezionati per le differenze culturali di cui sono portatori: Platel, infatti, cerca piuttosto di formare un gruppo vero, una comunità. I danzatori trovano la loro ispirazione nei cortometraggi che il dottor Arthur Van Gehuchten(1861-1914) dedicò ai suoi pazienti psichiatrici. L’isteria vi raggiunge un grado parossistico sotto forma di movimenti tortuosi, apparentemente del tutto privi di senso. Questi stessi movimenti si ritrovano nei documentari che Jean Rouche girò negli anni Cinquanta in Africa sui rituali dello stato di trance.

Platel adotta un approccio totalmente diverso da quello di Monteverdi. Provenendo da spettacoli nei quali forti personalità erano lo specchio tanto vario quanto vitale dell’universo, egli sembra cercare un mondo interiore in grado di offrire la prospettiva di una più grande solidarietà, anche se solo per il tempo di una rappresentazione. Resta la domanda, tuttavia, se tutto ciò apporti una qualche forma di redenzione. Nelle sue opere precedenti, Platel ha scelto molto spesso la musica barocca, in grado di far scattare sempre una dimensione sublime. A questa dimensione egli opponeva storie d’identità e diversità del nostro mondo. Questi spettacoli mettevano spesso in scena un confronto radicale tra due mondi lontani, il cielo e l’inferno. Sembra che oggi Platel cerchi invece di stabilire un passaggio, un legame tra i due opposti.

Hildegard De Vuyst,
drammaturga di vsprs, novembre 2005

Per dicembre la proposta di Caosmos è dedicata alla ricerca di corpi visioni e voci della nuova scena contemporanea.

Caosmos presenta AZIONI
6 appuntamenti che accolgono videodanza, performance, danza e filosofia, fotografia e musica, per due fine settimana dall’11 al 20 dicembre 2009, sintesi audace e coerente di un anno di ricerche sui linguaggi contemporanei.

AZIONI è una rassegna estemporanea ma finemente focalizzata in cui le produzioni di Caosmos dialogano in un incontro live con proposte di autori, gruppi, scrittori che ha incontrato sul suo percorso e che riconosce come vicini.

Questo il programma

Danza | Video:
Alain Platel, Sophie Fiennes, Fabrizio Cassol
VSPRS Show and Tell
documentario
venerdì 11 dicembre h 19 (70’)

Dj|Performance:
Valerio Millefoglie
Dj a Parole
l’unico dj che non mette musica (45’)
sabato 12 dicembre 2009 ore 18.30

Danza|performance:
Gabriella Riccio
Mensch – über Schönheit
coreografia d’autore (30’)
su musiche di Elio Martusciello, danza di Sonia Di Gennaro
Domenica 13 dicembre ore 18
Venerdì 18 dicembre ore 21
Domenica 20 dicembre ore 18

Danza | Filosofia
Tommaso Ariemma e Gabriella Riccio
su J.L. Nancy e J. Baudrillard,
dialoghi tra filosofia e danza (60’)
domenica 13 dicembre 2009, ore 18.30

Musica | Performance:
SUPERLOWed
Alla Locanda Verde
concerto-avanspettacolo (45’)
sabato 19 dicembre 2009 ore 18.30

Danza | Fotografia:
Piero Cremonese
obiettivo su Noli Me Tangere + K.I.S.S.#1
documentazione dei lavori
da venerdì 11- domenica 20 dicembre 2009

informazioni e pronotazioni 081 5787037 – 339 77 77 242
posti limitati. è viamente consigliata la prenotazione

Caosmos è partner dell’ l’I.C.S. Savio-Alfieri di Secondigliano (NA) con l’attivazione di un laboratorio di educazione al movimento, danza contemporanea e composizione coreografica

Progetto SCUOLA APERTA 2009/2010 nell’ambito del FSE POR Campania 2007-2013

Partner Istituzionali
Regione Campania – Assessorato all’Istruzione, Formazione e Lavoro
I.C.S. Savio-Alfieri
Caosmos

Partner Finanziari
Unione Europea – Fondo Sociale Europeo
MIUR Ministero per l’istruzione, L’Università e la Ricerca
Regione Campania – Assessorato all’Istruzione, Formazione e Lavoro

SELF seminario di SCRITTURA E LETTURA FILOSOFICA

Cosa è S.E.L.F. – È il primo corso che aiuta scrivere e a leggere testi filosofici. Molti studenti di filosofia arrivano a scrivere la propria tesi di laurea, avendo ormai perso ogni abitudine alla scrittura. Il percorso di studi filosofici molto spesso  non prevede corsi di scrittura, né tantomeno di scrittura filosofica. Come si scrive un saggio? Come si porta avanti una tesi? Il corso S.E.L.F. vuole colmare una tale lacuna, lavorando sulle tecniche e sugli stili, oltre che sui contenuti.

Argomenti – Come si legge un classico. Letture esemplari di classici. La lettura accademica di un classico. Etica della scrittura filosofica. Stili di scrittura. Il panorama editoriale italiano. Come scrivere un articolo: scelta dell’argomento, scelta del destinatario, sviluppo dell’argomentazione, uso di paragrafi, note, bibliografia.

Tommaso Ariemma dottore di ricerca in filosofia,ha tenuto lezioni, seminari e corsi presso diverse università italiane e presso l’Accademia di Belle Arti di Lecce. Ha fondato e diretto la rivista di filosofia ‘Ameba’e ha fatto parte di diverse redazioni di riviste filosofiche. Suoi articoli sono apparsi su:‘La società degli individui’,‘Rivista di estetica’,‘Babelonline/print’,‘Kainos’. Ha tradotto e curato testi di Badiou, Nancy, Baudrillard, Derrida, e pubblicato i volumi: Fenomenologia dell’estremo. Heidegger, Rilke, Cézanne (Mimesis 2005), Il nudo e l’animale. Filosofia dell’esposizione (Editori Riuniti 2006), Il senso del nudo (Mimesis 2007), L’estensione dell’anima. Origine e senso della pittura (ombre corte 2009), Logica della singolarità. Antiplatonismo e ontografia in Deleuze, Derrida, Nancy (Aracne 2009). http://ariemma.wordpress.com

Destinatari – Il corso è rivolto a studenti di filosofia e a tutti quelli che vogliono cimentarsi nella scrittura filosofica.

Quando – ogni giovedì dalle 16 alle 18 dal 26 novembre per 10 lezioni

Dove – presso Caosmos via Bonito 16, Napoli metro < Vanvitelli >

Informazioni e modalità di iscrizione  scrivi a  > self@caosmos.it

oppure compila sotto

[contact-form]

]]> http://caosmos2000.wordpress.com/2009/10/15/s-e-l-f-scrittura-e-lettura-filosofica-a-cura-di-tommaso-ariemma/feed/ 0 gabriellariccio self_locandina http://caosmos2000.wordpress.com/2009/10/08/storia-illustrata-dei-mezzi-di-trasporto-al-lanificio25/ http://caosmos2000.wordpress.com/2009/10/08/storia-illustrata-dei-mezzi-di-trasporto-al-lanificio25/#comments Thu, 08 Oct 2009 11:30:33 +0000 admin http://caosmos2000.wordpress.com/?p=2895 ]]>

CAOSMOS gruppo di ricerca sui linguaggi della performance contemporanea & Carlorendanoassociation presentano:

STORIA ILLUSTRATA DEI MEZZI DI TRASPORTO – SUPERLOWed

sabato 7 novembre 2009, ore 22

Lanificio 25 Piazza E. De Nicola, 64 – 80139 Napoli tel +39 081 65 82 915
biglietto Euro 8

Quando si dice comunità di intenti. Caosmos – crasi tra caos e cosmo, tra ordine e disordine – collettivo di artisti e gruppo di ricerca sui linguaggi della performance contemporanea attivo a Napoli ed in Europa, propone nuovi formati e progetti interdisciplinari, incrociando il suo percorso con straordinari “casi” di commistione di genere, performance in bilico tra poesia, teatro e musica. Come nel caso, da ultimo, dei SUPERLOWed, gruppo musicale di ascendenza elettronica e attitudine teatrale performativa.

In questo caso è Mario Esposito, tra i soci fondatori di Caosmos – gruppo di ricerca sui territori della performance contemporanea – è allo stesso tempo fondatore insieme con Alessandro Ferrara del progetto musical/teatrale SUPERLOWed di cui è ideatore, autore dei testi, coautore delle musiche, voce e performer in scena come “Il Cantore Bondo”.

SUPERLOWed è cabaret di lusso, pop vivisezionato e ridotto alla musicalità della parola, con gesto dada(umpa)… spiazzante, originale e meccanicamente inquietante, come se Capossela incontrasse per caso Boccioni e andassero insieme ad un concerto rap. Portando anche Montale.

SUPERLOWed è uno dei progetti più folli, fuori dagli schemi e coraggiosi spuntati fuori dal sottobosco musicale italiano, secondo la migliore stampa italiana. E torna a esibirsi in una data che sarà già culto, proprio a Napoli, sabato 7 novembre in un antico monastero e prigione, a ridosso delle mura greche di Castel Capuano, il Lanificio 25.

SUPERLOWed nasce nel 2004 come duo di avant-rap costituito da Alessadnro Ferrara e Mario Esposito. Nello stesso anno concepisce il primo mini-album dal titolo “SUPERLOWed”. Nel 2005 c’è il debutto live per le selezioni di Italiawave (Arezzowave). Nel 2006 la formazione si allarga, prima con l’ingresso di Antonio Dibiase, chitarrista, poi di Iacopo Di Girolamo, multi-strumentista, che contribuiscono alla definitiva svolta melodica del gruppo. Nelle sue esibizioni addiziona musica elettronica, videoinstallazioni, canzonetta e inconsuete strumentazioni giocattolo a una girandola di citazioni letterarie, cinematografiche e pittoriche. Il gruppo non è nuovo alla partecipazione a festival letterari e musicali di rilievo quali Musicultura (ex premio Recanati di Macerata) ‘09, Festival Dante 09 di Ravenna, Festival Lirycs di Bologna.

I suoi videoclip, fedeli all’ispirazione low-fi, sono un culto in rete e fuori. E’ il caso dell’ultimissima novità del videoclio di animazione “L’arte del decoro” di Roger Marìn Muntané, artista catalano che si è ispirato alla tecnica di J. Stuart Blackton inventata nel 1906. Si tratta di un’animazione in stopmotion che nel risultato finale rimanda alle immagini delle avanguardie del ‘900.

Sabato 7 novembre ore 22, SUPERLOWed va in scena con uno straordinario concerto-performance, cabaret dell’assurdo, dal titolo “Storia Illustrata dei Mezzi di Trasporto”: canzone, teatro e avanguardia, tutto insieme in un’esilarante rivista-concerto che lascia il pubblico a chiedersi se è il caso di frequentare ancora concerti di forma più tradizionale.

Gabriella Riccio, direttore artistico di Caosmos: “Caosmos crede alla massa critica di artisti che mossi da una comune radice di sperimentazione arrivano a risulati diversissimi, ma tra loro in stretto dialogo e confronto, accomunati da nuove visioni sulla contemporaneità. Nel caso dei SUPERLOWed, mi interessa la loro maniera. Capaci di andare oltre il reading, oltre il rap, oltre la forma canzone consueta, cesellando continuamente o giustapponendo frammenti di solito presenti in ambiti separati. Il finale, la commistione, è esemplare, dilaga oltre la musica, oltre il ritmo, oltre il cabaret. E’ teatro altro.

_________________________________________________________________________________

cv

Mario Esposito. Autore di testi onirici e visionari, ideatore di una forma di cantautorato ibrido in cui fonde spoken-word e linee melodiche tradizionali . È co-fondatore del progetto di musica-teatro SUPERLOWed di cui è  produttore, cantante, performer, autore dei testi, co-regista, co-autore delle elaborazioni musicali e sceniche. Ha ideato e partecipato in qualità di attore e voce recitante a performance e readings di matrice letteraria. È membro del collettivo di artisti CAOSMOS gruppo di ricerca e innovazione sui temi della performance contemporanea e autore e performer per la cia Grabriella Riccio.

Alessandro Ferrara. Musicista sperimentale, autore di un’elettronica elegante e primitiva. Comincia l’attività musicale come dj nei primi anni novanta, per poi fondare, agli inizi del 2000, insieme con Mario Esposito, il gruppo teatral-musicale denominato SUPERLOWed di cui è produttore, corista, performer, scenografo e co-regista.

Iacopo Di Girolamo, bassista, polistrumentista  e perfomer in SUPERLOWed. In qualità di regista si occupa delle installazioni video per gli show del gruppo. Laureato alla BCUC di High Wycombe (GB) in Video Production. Lavora in Italia, Inghilterra, Australia, Polonia e Spagna, sempre nell’ambito delle produzioni multimediali. È a più riprese regista e montatore di installazioni video per teatro. Scrive e dirige cortometraggi, documentari e video musicali ottenendo riconoscimenti da numerosi festival internazionali.

Antonio Dibiase, È chitarrista solista, creative-designer e performer in SUPERLOWed. È  attore in cortometraggi, spettacoli teatrali e campagne di sensibilizzazione. Come grafic designer collabora  con prestigiose aziende sul territorio nazionale. Realizza per OYSTER (azienda attiva nei campi della sonorizzazione e del multimedia) prodotti e concepts dalla cifra fortemente innovativa.

domenica 18 ottobre 2009 ore 18.00
nell’ambito del festival internazionale di danza contemporanea MOVIMENTALE
spazio START Palazzo Carafa San Biagio De’ Librai Napoli

MENSCH – UBER SCHONHEIT  di Gabriella Riccio

idea e coreografia Gabriella Riccio
musica Elio Martusciello
scenografia costumi disegno luci Gabriella Riccio
produzione Caosmos – cia Gabriella Riccio © 2006
con il contributo di Goethe Institut Neapel

durata 30′

crediti:

- creato su commissione del Goethe Institut Neapel nel 2005
- presentato al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli nell’ambito della Rassegna di danza contemporanea Di Seconda Mano edizioni 2005 e 2007
- il video riceve una menzione orale della giuria al festival internazionale di videodanza Il Coreografo Elettronico per la qualità del lavoro coreografico 2006
- invitato alla Giornata Mondiale della Danza dall’Ente Nazionale di Promozione di Napoli nell’ambito della vetrina per la nuova coreografia d’autore 2007
- il video è stato presentato dal Filmstudio80 di Roma per la rassegna Il video d’autore Made in Italy: tra genio e sregolatezza 2007

L’assolo – parte del trittico di Mensch – über Schönheit – è spirato alla bellezza esibita, come concepita da J. Baudrillard , la concezione del corpo contemporaneo come corpo macchina, corpo oggettivizzato, corpo plastificato, irraggiungibile, intoccabile, esibito. Un movimento pubblico, logico e razionale, modulare, progressivo, simmetrico, materiale. Il lavoro coreografico è stato sviluppato intorno alla percezione da parte del pubblico  di tempo/durata e di equilibrio/disequilibrio. L’impianto coreografico si articola sui sitemi di composizione che sottendono l’impianto musicale della musica gestuale di Elio Martusciello in Unoccupied Areas.

____________________________________________

CAOSMOS gruppo attivo dal 2003. ll gruppo parte da una ricerca sul corpo e la performance contemporanea. Da primi esperimenti  incentrati sulle percezioni con performance  concettuali presentate in spazi non convenzionali in cui il pubblico veniva coinvolto in modo attivo e diretto la ricerca si approfondisce indagando in modo più sottile il territorio delle “percezioni” con proposte concepite per lo spazio teatro. Dal 2008 l’indagine include una sperimentazione con l’interazione con le nuove tecnologie e  nel 2009 il lavoro prende una forma più articolata sia dal punto di vista drammaturgico in rapporto con la parola sia nel rapporto con la tecnologia ilavorando con ‘ambienti sensibili’ applicati alla performance.

Gabriella Riccio. Giovanissima si avvicina alla danza classica, poi al contemporaneo. Successivamente inizia una ricerca personale attraverso l’incontro con Julyen Hamilton, Kirstie Simson, Frey Faust, Dominique Dupuy, Akira Kasai, Masaki Iwana, Yumiko Yoshioka, Kathrine Linklater. E’ interprete per il giapponese Hal Yamanouchi dal 1998 al 2002.  Dal 2003 al 2004 è interprete a Berlino per la cia Felix Ruckert danzando in Secret Service, Ring, Love Zoo. E’ qui che incontra durante la ricerca coreogafica per Messiah’s Game Paolo Rudelli. Dal 2003 fonda CAOSMOS  formazione con cui presenta i suoi lavori come autrice coreografa e interprete. Presenta ‘Watchtouch’ nel 2003. Dal 2004 al 2006 con il contributo del Goethe Institut Neapel realizza Korpersprache 2004, K.i.s.s.#1- about fragilty 2005, Mensch – uber Schonheit [Triptyk] 2005, Mensch uber Schonheit [solo] 2006 che riceve una mensione orale della giuria al festival ‘Il Coreografo Elettronico’ per la qualità del lavoro coreografico. Del 2008 Echo Resonance & Memory e Guerrilla Remixed (interventi di danza urbana per  il NTFI). Per Carmine Rezzuti esponente della transavanguardia napoletana presenta la performance Diventa ciò che sei. Nel 2009 Noli Me Tangere di cui è regista, coreografa e interpete, insieme con Paolo Rudelli. Presentato come studio al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli per ‘Transitidanza2′ e selezionata da Mauro Petruzziello per ‘Deus Ex Machina 0.1 nuove tecnologie applicate alla performance’ negli spazi del Kollatino Underground di Roma ha recentemente debuttato in Germania al Dock11 di Berlino.

giovedì 22 ottobre 2009 ore 19.00
tra i video selezionati per la sezione videodanzanell’ambito del festival internazionale di danza contemporanea Movimentale

MINDLESS creazione video ideata e realizzata da Paolo Rudelli

In questa occazione sarà presentato al pubblico solo ed unicamente il video in proiezione frontale. Il video è però parte dell’istallazione/performance dal titolo “Mindless Perception” che vede in scena il gruppo Caosmos con interventi interattivi con il pubblico i coreografi e danzatori Paolo Rudelli & Gabriella Riccio.

________________________________________________________________________________________

credti
titolo: Mindless
idea e video: Paolo Rudelli
con: Paolo Rudelli (Italia) & Ina Stockem (Olanda)
musica originale e voce: Norsola Johnson (Canada)
testo originale: Tori WIlding (Regno Unito)
genere: Video-danza
produzione: Caosmos 2009 (Napoli), Collectif Lick the Toad (Bergamo) & Orange Call Europe 2007 Bergamo 2007, People On the Move (Amsterdam)

durata video: 6.53″

________________________________________________________________________________________

MINDLESS

Cold ice to warm me
as your memory fades
you are here
with me
no more
and stripped bare
with only my thoughts to pry
I’ll wait
for snow to bury them
then wait some more
until they thaw

here in the wasteland of my thoughts
I scramble over hills
built from my buried past
thoughts unresolved
words unspoken
dreams forgotten

God.
can I never escape from here

backwards and forwards
and sideways and down

up up and up again
and fall right back down

and you here to haunt me
in my weakest hour
and you here to chide me
with that glint in your eye

how dare you smile so sweetly now
caress me now
take these hands that touched me once
take them from my skin
that craves

caress my soul for but one night more
I implore you
stay away from me
come back once more

join me in this barren land
cleanse my soul

my foundations crumble
to nothing more than dust
in this
and this only
now I must trust

and still you return to me
sweet afterburn
to make me whole
for a fleeting moment
till once again
no more

backwards and forwards
and sideways and down

up up and up again
and right back down I fall

climbing only to fall back down

and in my nails
the residue of you
wash you away now

turn back time
and in my painful reverie
let me drink you once again

cold ice to warm me
in this cocoon
I now must wait
and stripped to my nakedness
nothing but memories
frozen in time.

by Tori Wilding © 2009

________________________________________________________________________________________

CAOSMOS gruppo attivo dal 2003. ll gruppo parte da una ricerca sul corpo e la performance contemporanea. Da primi esperimenti  incentrati sulle percezioni con performance  concettuali presentate in spazi non convenzionali in cui il pubblico veniva coinvolto in modo attivo e diretto la ricerca si approfondisce indagando in modo più sottile il territorio delle “percezioni” con proposte concepite per lo spazio teatro. Dal 2008 l’indagine include una sperimentazione con l’interazione con le nuove tecnologie e  nel 2009 il lavoro prende una forma più articolata sia dal punto di vista drammaturgico in rapporto con la parola sia nel rapporto con la tecnologia ilavorando con ‘ambienti sensibili’ applicati alla performance.

Paolo Rudelli. Pur proseguendo  da oltre 18 anni una carriera internazionale come danzatore che lo ha portato a lavorare con i maggiori coreografi della fine de XXmo secolo(Jiri Killian, William Forsythe, Maurice Bejart, …)  e della danza contemporanea (Paco Decina, Karine Saporta, Felix Ruckert,…) sviluppa un lavoro di creazione e ricerca che fonde diversi media (video, interattività, installazioni, performance) , dove il corpo e i sensi restano ineluttabilmente al centro. Le ultime produzioni di questa costante ricerca sono Données immédiates de la conscience : assolo coreografico/videografico e la performance/installazione ‘Mindless  Perception’ Dal 2008 entra a far parte di CAOSMOS realizzando Noli Me Tangere dov’è coreografo interprete e autore dell’ambiente sonoro.

Norsola Johnson inizia la sua carriera dedicandosi alla danza e alla musica. Si diploma  alla F.A.C.E. centro di belle arti di Montreal in voce e clarinetto. E’ direttore di produzione e bboking agent a Montreal per il Foufounes Electrique dove all’inizio degli anni ‘90 assiste ad un concerto di The Ex and Tom Cora. Incantata dal viloncello d i Cora decide di dedicarsi interamente ad indagare le potenzialità di questo strumento. Collabora con numerosi gruppi locali qali  Molasses con cui incide 4 albums: ‘Trouble at Jinx Hotel’ (2004), ‘A Slow Messe’ (2002), ‘Trilogie – Toil and Peaceful Life’ (2000), e ‘You’ll Never Be Well No More’ (1999).Nel ‘96 inizia la sua collaborazione con Godspeed You Black Emperor! il gruppo cui si dedicherà interamente per i successivi dieci anni facendo tourné in tutto il mondo e incidendo 4 albums: ‘F#A# ‘(1997), ‘Slow Riot For New Zero Kanada’ (1999), ‘Lift Your Fists Like Antennas to Heaven’ (2000), and ‘Yanqui U.X.O.’ (2002). Ha inciso, composto e performato per e con numerosi artisti e gruppi quali: Amon Tobin, The Ratchet Orchestra, Land of Kush, Fly Pan Am, Hrsta, and Sam Shalabi. Nel 2005 incide e pubblica in collaborazione con Sixtoo il progetto dal titolo ‘Sixtoo and Norsola – Homages’. Attualmente compone per la danza e per il cinema continuando ad esplorare le frontiere del violoncello

Tori Wilding. Nata nel Regno Unito. Dopo la laurea intraprende un viaggio per Tokyo con l’intenzione di restarvi per un anno. Oggi sono 15 anni che vi risiede, trovandosi totalmente immersa in una cultura che trova ancoara tanto affasciannte quanto frustrante, tuttavia la meraviglia non cessa. Vede la sua vita in Giappone come un esilio autoimposto da cui e riluttante ad fuggire. Attualmente la vora come giornalista freelance ed insegnante. ‘Mindless’ è il suo primo poema ad essere usato in un lavoro collettivo. La maggior parte dei suoi scritti si può leggere su: http://thepermanentresident.wordpress.com

Gabriella Riccio direttore artistico di Caosmos / cia Gabriella Riccio fondato a Napoli. Un percorso europeo che la porta a Roma, Parigi, Berlino. Danza in alcuni tra i più prestigiosi spazi per la danza contemporanea in Europa Dal 2003 presenta i suoi lavori come autrice-coreografa. Il suo lavoro è incentrato sull’esplorazione del limite della performance nel rapporto con il pubblico. Le sue creazioni sono state commissionate e sostenute ripetutamente dal Goethe Institut Neapel (2004-2006). Con il suo lavoro è regolarmente invitata negli spazi istituzionali dedicati alla contemporaneità a Napoli ed in Italia.  Ha collaborato con alcuni tra i maggiori esponenti della scena contemporanea internazionale quali il coreografo berlinese Felix Ruckert e il giapponese Hal Yamanouchi, il musicista elettronico Elio Martusciello, il sound artist Neil Leonard . Ha collaborato inoltre con prestigiose istituzioni quali il Festival Romaeuropa, Enzimi2000, progetto Terpsychore.  Le sue creazioni: 2003 WatchTouch;2004 Körpersprache; 2005 K.I.S.S. #1 about fragility; 2005 Mensch – über schönheit [Triptyk]; 2006 [Solo]; 2008 Echo Resonance & Memory; 2009 Noli Me Tangere; 2009 azione performativa in collaborazione con Carmine Rezzuti su testo di Mimmo Grasso per l’installazione Diventa ciò che sei nell’ambito della mostra-evento A Taglio negli spazi monumentali di Castel Sant’Elmo.

]]> http://caosmos2000.wordpress.com/2009/10/08/mindless-tra-i-video-presentati-a-movimentale/feed/ 0 gabriellariccio Mindless by Paolo Rudelli http://caosmos2000.wordpress.com/2009/09/21/castel-santelmo-napoli-intervento-di-gabriella-riccio-per-carmine-rezzuti/ http://caosmos2000.wordpress.com/2009/09/21/castel-santelmo-napoli-intervento-di-gabriella-riccio-per-carmine-rezzuti/#comments Sun, 20 Sep 2009 22:54:56 +0000 admin http://caosmos2000.wordpress.com/?p=2593 ]]> giovedì 1 ottobre ore 18.00 Castel Sant’Elmo Napoli

DIVENTA CIO’ CHE SEI
intervento di GABRIELLA RICCIO per l’installazione di CARMINE REZZUTI su testo di MIMMO GRASSO

inaugura ‘a taglio’ REZZUTI /SCOLAVINO a  cura di KATIA FIORENTINO/ANGELA TECCE
MiBAC Sovrintendenza Speciale per il Patrimonio Sorico Artistico Etnoantropologico e per il Polo Museale della Città di Napoli

Vive a Napoli, le sue prime ricerche artistiche estetico-tecniche (giuochi fantastici) risalgono agli anni ’60. Alla fine di questi anni e agli inizi degli anni ’70 Rezzuti partecipa a diverse mostre nazionali con opere ambientali e di grandi dimensioni spesso immaginate nel tessuto urbano delle città “Sonoro” alla galleria Carolina di portici. – “Azione rituale carnivoro” al centro d’arte Ellisse di Napoli. – “Triangoli e polvere di stelle” a Villa Pignatelli Napoli. – V rassegna d’arte del mezzogiorno Palazzo Reale Napoli. – 1971 Incontro Sincron Rimini “un segno per le strade di Napoli e di Rimini intervento a quattro mani con Mimmo Paladino. – “Ricognizione ’71 Giovane arte meridionale” Santa Maria Capua Vetere. – 1972 Operazione Vesuvio a cura di Pierre Restany.- A metà degli anni settanta l’opera di Rezzuti diventa oggetto di contemplazione, l’immagine fotografica è determinante nel suo lavoro: “Tu sei Teresa” è un opera di grandi dimensioni che viene esposta alla Quadriennale di Roma nel 1975. – “Amore mio” in “Napoli Situazione ’75″ al Centro d’Arte Multiplo di Marigliano. – Nel gennaio dello stesso anno il lavoro di Rezzuti suscita l’interesse e la curiosità del prof. Giulio Carlo Argan il quale gli offre di andare a New York per uno stage artistico di dodici mesi. – Verso la fine del 1975 insieme a Gerardo Pedicini teorizza e fonda l’Asocial-Group. – Nel 1976 è invitato con il gruppo alla Biennale di Venezia. – Siamo in un periodo di riflessione con argomenti fortemente sociali. – Negli anni successivi la sua ricerca, dai contenuti concettuali, passa a quella che viene definita “un nuovo modo di fare scultura” partecipa in questi anni insieme a Quintino Scolavino a numerose esposizioni in Italia e all’estero. “Inghenutiria Neos-Mitos” alla galleria Numerosette Napoli 1980. – “‘O Terremoto a Napule” Castel dell’Ovo Napoli 1981. – Nel 1981 è invitato a Legnano al Centro Cantoni da Luciano Inga-Pin per la mostra “L’Oggetto Manifesto” ovvero la nuova scultura italiana” una scultura dopo, un altro modo di fare scultura”. La mostra prende le mosse dal fenomeno della nuova pittura e in particolar modo da un tipo di pratica che considerava l’opera d’arte legata all’ambiente, magari con altri oggetti che fungevano da supporto, col tempo, questi oggetti si rivelarono sempre più autonomi tanto da formare delle vere e proprie sculture. In questo senso nasce un’altra area di indagine, forse ancora più provocatoria, e in grado di aggiungere altri fenomeni e creativi e critici al processo pittorico già in atto. – “Polmone Pulsante” Sette opere, presentato da Palma Bucarelli, Roma. – Nel 1982 è invitato da Tommaso Trini alla Biennale di Venezia “Aperto’82 Spazio” sempre nello stesso periodo è invitato a tenere una personale a Brisbane in Australia, seguiranno numerose mostre in Italia e in Europa. – ” La Nuova Oggettualità” All’Istituto Francese Grenoble 1986. – “Omaggio” a Pomigliano D’Arco 1987. – “Empiria Tellurica” galleria Artiaco Pozzuoli. – “Punto Focale” presso la galleria Rizzardi Milano 1988. – “Paesaggio Sismico” presentata dagli Incontri Internazionali d’arte di Roma a Villa Letizia, è una rassegna curata dai critici Bruno Corà e Arcangelo Izzo “Questa mostra è la felice esemplificazione della metafora che illustra i rischi dell’esistenza umana e rimanda agli atteggiamenti non ulteriormente motivabili che individui e culture assumono dinanzi al mondo. Gli elementi aggettanti dal “quadro” di Rezzuti creano una nuova solidarietà con le cose che circondano l’opera così che lo sguardo selettivo e partecipe dello spettatore, attraverso la distanza spaziale e temporale è invitato a scoprire la qualità del colore e la stesura della pittura senza la forzatura della griglia prospettica o la finzione del falso movimento, determinato da punti di fuga o da linee di forze” In “Ti penso giorno e notte” le cornici di legno a zig-zag di acute merlature,trasgrediscono il perimetro della tela e, anziché circoscrivere l’immagine, la aprono portando il dipinto ad una virtuale espansione che la radialità delle punte modellate, assieme all’interna libera linearità dei fil di ferro, già suggeriscono”, “In Rezzuti, fin dalle prime prove e poi in modi sempre più incisivi e sottili il quadro diviene l’arena di un confronto vibrante di materiali e colore, di un conflitto di forze e di energie che non si placano in contemplazioni rasserenate. Una tensione che spinge il quadro sempre al limite di sé, in prossimità (e dentro) i vortici del vivere e la precarietà dell’esistere. Una strategia messa a punto con uno strenuo corpo-a-corpo con la materia pittorica e il flusso di materiali eterogenei”. – In “Napoli Scultura” 1988 al Palazzo Reale, Rezzuti presenta “Fuoco-Fuoco” un trittico in cui un carro armato s’incunea in un legno nero allungato nello spazio mentre intorno frammenti “mobili” colorati, che ricordano il “feu d’artificie”, disegnano lo scenario e il clima dell’alba. Nel passaggio successivo il carro armato si impatta nella base di una materia magmatica di colore rosso che induce alla tregua del tramonto, l’ultimo carro armato arresta la sua corsa sull’asse blu della notte, trapuntata di stelle azzurre, oscillanti però come i desideri ed i sogni, come gli enigmi dell’arte. – Nel 1991 partecipa alla mostra “A Sud dell’Arte” a cura di Achille Bonito Oliva con due lavori ironici. – Nel 1993 Internationaler Kuntmarkt Art – Cologne, “Kunst Messe” studio Koln Germany; “I passaggi essenziali” Progetto Roma. Nel 1995 Rezzuti insieme ad altri artisti napoletani ed al poeta Gabriele Frasca, da inizio ad una serie di mostre “alternative” che si arricchiranno di ulteriori forti motivazioni. La prima di queste mostre è “Orologio ad acqua” tenutasi alla Stazione Anton Dhorn di Napoli, con la collaborazione dei poeti Baiano, Frizione ed Ottonieri, seguirà nel 1996 “Sidereus Nuncius” una iniziativa nell’ambito della settimana della cultura scientifica all’Osservatorio Astronomico di Capodimonte ed ancora al Real Orto Botanico di Napoli “La Flors Enversa”. Nel 1997 Le stanze Poetiche installazione “castelli in aria” a Villa Patrizi Napoli. Inizia così una nuova fase artistica con nuovi interlocutori e nuovi luoghi sollecitando nuovi visitatori. Sempre nel 1997 “La Cena delle Ceneri”, scritto nella polvere, Quaresima del Lazzaretto, Ospedale della Pace Napoli; “Orologio ad Arte” Quartetto asilo poetico in Rooms With no door al S.T. Peter’s english language centre Napoli; 1998 Comune di Marigliano “Storia della Repubblica Napoletana del 1979″ I valori della storia le forme dell’Arte”; 1999 Orologio ad Acqua “L’uomo della folla” San Gregorio Armeno Napoli, nello stesso anno “Viaggiatori senza bagaglio” a cura di Achille Bonito Oliva, Museo Ferroviario di Pietrarsa Portici; 2000 Ministero per i beni e le attività culturali Soprintendenza per i beni ambientali e architettonici di Napoli e Provincia “Arte x Arte”, Cartolina per Napoli, Palazzo Reale Napoli; Ministero per i beni e le attività culturali, Soprintendenza Archeologica di Napoli e Caserta, II settimana per la cultura,”Emporium” Orologio ad Acqua Museo Archeologico Nazionale Napoli. In questi anni seguono alcune manifestazioni artistiche come: Comune di Isernia Assessorato alla Cultura e Sport mostra collettiva; Assessorato al centro storico “Orizzonti” Palazzo dell’Università degli studi del Molise; “Capodopera a Capodimonte” un millennio fa (atto terzo) Framart-studio Napoli. Nel 2001 “Variazioni” Galleria Varart Firenze; 2002 “Nell’Arte del lavoro” sede Gevi Napoli; 2003 “Viaggiatori Senza” Comune di Napoli Assessorato alla Cultura e con il patrocinio della Regione Campania, Museo Civico Castelnuovo, sala della Loggia Napoli; Nel 2005 è tra i fondatori dell’Associazione Culturale INAC, Istituto Napoletano per l’Arte Contemporanea. 2005 “struttura/oggetto” Belvedere di San Leucio Caserta; “Bestiarium” personale Bottega d’arte di Maurizio Siniscalco; Napoli 40° 51′ N 014° 17′ E, Mostra di Arte Contemporanea, 4 Artisti e una città. Antico Municipio San. Donato Val di Comino ( FR.); “Im-possibili” Chiesa di Santa Maria Incoronata, Soprintendenza per i Beni Architettonici ed il Paesaggio e per il Patrimonio Storico Artistico ed Etnoantropologico di Napoli e Provincia; Nel 2006 è invitato da Achille Bonito Oliva a progettare un’opera per la linea 6 della Metropolitana di Napoli Stazione Augusto, intitolata il “Guardiano del Fuoco” : l’universo artistico di Rezzuti si popola di animali feroci e di piccoli e simpatici mostri che diventano il simbolo della paranoia; questi animali rappresentano e incarnano gli aspetti aggressivi del genere umano. L’artista esplora i territori dell’interiorità. Le sue fantasie scaturiscono da una realtà di un mondo minaccioso, questo provoca un senso di paura, di oppressione, in cui l’uomo prevarica sull’uomo quasi a preannunciarne la catastrofe.Tutto ciò viene suggerito da una attenta ricognizione del dato umano che appunto ci fa transitare in una realtà incongrua e precaria, come quella del nostro tempo. Quindi un pessimismo della ragione stemperato però dall’ironia. – sempre nel 2006 “i cortili dell’arte” Comune di Villaricca Assessorato alla cultura ARTEXARTE.

LE SPECIFICITA’ DEL SETTORE DANZA E PERFORMANCE CONTEMPORANEA
incontro sul management a cura di Gabriella Riccio

L’incontro ideato per gli allievi del Master in Cultural Management CUMA dello STOA’ di Ercolano vuole fornire una panoramica generale sulle specificità del settore danza e delle nuove tecnologie applicate alla performance contemporanea

programma

10.00 – presentazione di CAOSMOS: i progetti, le produzioni
10.30 – le specificità del SETTORE DANZA e performance contemporanea
11.00  – CONTEMPORANEA 09 progetto pilota: descrizione della rassegna-seminario sui linguaggi della performance contemporanea e della coreografia d’autore
11.30 – proiezione del video-intervista in inglese di JULYEN HAMILTON “what is dance”
12.00 – spunti per una discussione

pausa 15 min

13.00 – I linguaggi della nuova performance contemporanea ed il rapporto con le NUOVE TECNOLOGIE:
presentazione del cdROM IMPROVISATIONE TECHNOLOGIES di WILLIAM FORSYTHE
13.30 – la coreografia contemporanea e l’opera DIDO & AENEAS di SASHA WALTZ

L’INTERVISTA di Elisabetta Testa

“CONTEMPORANEA” PROGETTO DOC
La coreografa Gabriella Riccio parla dell’iniziativa

NAPOLI. Coraggiosa, vulnerabile, amante del rischio, Gabriella Riccio, napoletana, è un fiume in piena.
Danzatrice e coreografa, a capo della sua compagnia “Caosmos”, ha ideato “Contemporanea”, una rassegna di videoproiezioni che ha portato avanti nel suo studio di via Bonito al Vomero, con grande riscontro da parte del pubblico di addetti ai lavori e non. Com’è entrata la danza nella sua vita? «La danza appartiene alla mia formazione e mi ha accompagnato fino ad oggi. Prima classica poi contemporanea, sviluppando una ricerca indipendente verso territori “altri”. Ho tentato nuove esperienze approfondendo vari tipi di training: teatro danza, tecniche di composizione ed improvvisazione, danza buto, un percorso indipendente iniziato a Napoli e proseguito all’estero: Buenos Aires, Roma, Amsterdam, Parigi, Berlino, la Spagna».

Che cosa cercava in questo percorso?
«Le coreografie sono nate per caso. Mi hanno chiesto di creare un mio lavoro, all’epoca ero solo un’interprete indomita… sentivo sempre la scomodità del rapporto col coreografo. Nel 2003 ho presentato la mia prima creazione per il “Maggio dei Monumenti”, subito dopo il Goethe Institute mi ha commissionato altre performances. È cominciato come un’implicita richiesta di esplorazione di altri territori».

Che cosa è stato veramente difficile?
«Non riesco a valutare la difficoltà di realizzazione, credo che sia intrinseca
in qualsiasi nuova proposta ed iniziativa. A volte dagli ostacoli si sviluppa una forza creatrice, la limitazione può diventare un punto di forza. La difficoltà più evidente è forse nel portare avanti il proprio lavoro. Ho fatto sempre delle  proposte molto rischiose per noi danzatori, talmente non convenzionali che c’era il vuoto assoluto ma la risposta del pubblico è stata ottima. Fino ad un paio d’anni fa c’era uno sguardo decisamente distratto da parte delle altre regioni e delle istituzioni centrali, senza dimenticare che il sostentamento economico è sempre minimo…».

Parliamo di “Contemporanea”: che cos’è?
«È una strana formula, un ibrido, doveva essere una rassegna di danza contemporanea attraverso i video per creare uno spazio di accesso per il pubblico ai nuovi linguaggi delle performances contemporanee, con alcuni dei nomi più importanti del panorama come Alain Platel e Sacha Waltz. Nell’incontro su Forsythe abbiamo analizzato le tecniche utilizzate dai danzatori, è stato bellissimo vedere come il pubblico voleva avere riferimenti precisi per decodificare canoni e stili che si vedono in scena destrutturati. L’attualità è spesso accolta con attrito, credo che la possibilità di vedere la danza sia fondamentale per un ballerino e per il pubblico, la diffusione motiva e rende più competenti gli utenti. “Contemporanea” è da considerarsi come un progetto pilota, non basta proiettare un video, è importante accompagnare il pubblico nella costruzione di un percorso fatto di simboli, di nuovi linguaggi. Tutte le fasce d’età hanno reagito con grande interesse».

Che cosa significa “Caosmos”?
«Caos e cosmo. Voleva essere un progetto senza spazio, per realizzare nuovi formati, mettere in evidenza che per la produzione artistica è necessario avere un ottimo livello di organizzazione che sia rispettoso allo stesso tempo del caos necessario per la creazione. La sfida nel dialogo con le istituzioni è quella di riuscire ad avere dei quadri di riferimento che possano permettere l’organizzazione ed orientarsi nel territorio della creazione contemporanea dove i parametri non sono ovvi. Caosmos vuole accogliere questa sfida, siamo riusciti a creare in condizioni diverse, non abbiamo mai avuto la comodità di un teatro… ma alla fine è stato un vantaggio».

Parliamo di “Noli me tangere”, il suo ultimo progetto… «“Noli me tangere” è la nuova produzione della compagnia, formata da un nucleo artistico di tre persone che però varia a seconda dei progetti. In questo caso eravamo due in scena, io e Paolo Rudelli, anche lui danzatore. È il risultato del nostro incontro a Berlino. Abbiamo cominciato un lavoro di ricerca in base alle percezioni, è stato presentato come studio nell’ambito di “Transitididanza”, ha debuttato a Napoli come creazione al Teatro Instabile e poi a Roma in una rassegna dedicata alle nuove tecnologie applicate alla danza contemporanea. A luglio è andato in scena a Berlino, in un teatro enorme, bellissimo.“Noli me tangere” è un lavoro ibrido, dove la danza viene mescolata a testi filosofici, realizzato con un software particolare, con una serie di sensori che permettono di ricevere le vibrazioni dei corpi in movimento e di tradurle in un ambiente sonoro, la partitura musicale è generata dal movimento dei danzatori».

Il ROMA sabato 19 settembre 2009 SPETTACOLI 13

NOLI ME TANGERE
di e con Gabriella Riccio & Paolo Rudelli

progetto coreografia e danza : Gabriella Riccio & Paolo Rudelli
ambiente sonoro :   Paolo Rudelli
ambiente letterario : Gabriella Riccio
regia e drammaturgia : Gabriella Riccio
disegno luci : Paolo Rudelli
produzione: Caosmos / cia Gabriella Riccio

“In tempi di scritture sceniche e di nuove drammaturgie del corpo, l’esperimento proposto da Noli me tangere… rappresenta un segnale intrigante lanciato alle attuali strade della ricerca teatrale… Una partitura complessa e seducente…” Stefano de Stefano in Il Corriere del Mezzogiorno del 05.04.09

Noli Me Tangere è una sofisticata e minimale installazione per suono incarnato e corpo sonoro: una scena nuda presenta una serie di microfoni in cerchio, adagiati su pile di libri. Un meccanismo di produzione e composizione istantanea di suono e movimento. Una partitura fisica generata attraveso l’utilizzo di nuove tecnologie elttroniche e di ambienti sensibili applicati alla performance. Saperi e messaggi filosofici, poetici, letterari si intersecano intorno a corpo, intimità, relazione e divinità. Lo spettacolo legge e danza Nancy, Giddens, Murakami, Mishima, Dante, Bergson, e altri.

vai al link
________________________________________________________________

sabato 12 settembre 2009 ore 21.00
Auditorium Città di Albino, Bergamo
via Aldo Moro 2/4 – info e prenotazioni 339 59 49 297

K.I.S.S. # 1 – ABOUT FRAGILITY
una creazione di Gabriella Riccio

idea e coreografia : Gabriella Riccio
danza: Gabriella Riccio & Paolo Rudelli
musica elettronica originale : Elio Martusciello
produzione: Caosmos / cia Gabriella Riccio

“Fragilità: Facilità di rompersi al minimo urto – di cedere alla prima occasione – errore o fatto commesso per debolezza”. Affascinata e intrigata dalla fragilità Gabriella Riccio presenta una performance concettuale di grandissimo rigore coreografico. Sei “non danzatori” per tre giorni coinvolti in un workshop con la coreografa vengono portati in scena accanto ai due danzatori.

durata 20′ ca.

vai al link

WRITING ON WATER
happening performance / guest Norsola Johnson (canada)

Scrivere sull’acqua è agire senza lasciare tracce.
Scrivere sull’acqua è comprendere l’incomprensibile.
Estemporanei Incontri di linguaggi, di culture, di Uomini.
Pietre gettate nell’acqua: genesi di cerchi concentrici,
alternanza di silenzi e di suoni, di assenze e di presenze.

viloncello Norsola Johnson (canada)
danza Gabriella Riccio & Paolo Rudelli
produzione Caosmos / cia Gabriella Riccio

durata 40′ ca

________________________________________________________________

sabato 5 settembre e domenica 6 settembre 2009 ore 10.30 – 16.30
Centro di Ricerca Coreografica Bergamo Danza
via Lochis 17 Bergamo info 393 94 35 334

ANATOMIA PER LA DANZA
seminario a cura di Paolo Rudelli

Il seminario a cura di Paolo Rudelli è indirizzato a insegnanti di danza che desiderano iniziarsi od ampliare le loro conoscenze di anatomia al fine di proporre un insegnamento qualitativamente superiore nel rispetto della salute fisica dei propri allievi, ai danzatori che ricercano un approccio più introspettivo e più cosciente alle basi della tecnica della danza, agli operatori del corpo che vogliono approfondire le loro conoscenze per poter proporre cure più mirate relative alle patologie specifiche dei danzatori.

vai al link

________________________________________________________________

La Compagnia

Caosmos – gruppo di ricerca e sperimentazione intorno alla performance contemporanea sè composto da Gabriella Riccio, Paolo Rudelli e Mario Esposito.

Gabriella Riccio direttore artistico di Caosmos / cia Gabriella Riccio fondato a Napoli. Un percorso europeo che la porta a Roma, Parigi, Berlino. Danza in alcuni tra i più prestigiosi spazi per la danza contemporanea in Europa Dal 2003 presenta i suoi lavori come autrice-coreografa. Il suo lavoro è incentrato sull’esplorazione del limite della performance nel rapporto con il pubblico. Le sue creazioni sono state commissionate e sostenute ripetutamente dal Goethe Institut Neapel (2004-2006). Con il suo lavoro è regolarmente invitata negli spazi istituzionali dedicati alla contemporaneità a Napoli ed in Italia.  Ha collaborato con alcuni tra i maggiori esponenti della scena contemporanea internazionale quali il coreografo berlinese Felix Ruckert e il giapponese Hal Yamanouchi, il musicista elettronico Elio Martusciello, il sound artist Neil Leonard . Ha collaborato inoltre con prestigiose istituzioni quali il Festival Romaeuropa, Enzimi2000, progetto Terpsychore.  Le sue creazioni: 2003 WatchTouch;2004 Körpersprache; 2005 K.I.S.S. #1 about fragility; 2005 Mensch – über schönheit [Triptyk]; 2006 [Solo]; 2008 Echo Resonance & Memory; 2009 Noli Me Tangere; 2009 azione performativa in collaborazione con Carmine Rezzuti su testo di Mimmo Grasso per l’installazione Diventa ciò che sei nell’ambito della mostra-evento A Taglio negli spazi monumentali di Castel Sant’Elmo.

Paolo Rudelli pur proseguendo  da oltre 18 anni una carriera internazionale come danzatore che lo ha portato a lavorare con i maggiori coreografi della fine de XXmo secolo(Jiri Killian, William Forsythe, Maurice Bejart, …)  e della danza contemporanea (Paco Decina, Karine Saporta, Felix Ruckert,…) sviluppa da anni un lavoro di creazione e ricerca che fonde diversi media (video, interattività, installazioni, performance) , dove il corpo e i sensi restano ineluttabilmente al centro. Le ultime produzioni di questa costante ricerca sono lo spettacolo  ‘Données immédiates de la conscience’ : assolo coreografico/videografico ispirato al lavoro del filosofo francese Henry Bergson e accompagnato dalla musica dal vivo degli ‘Winter Family’ (Francia/Israele); e la performance/installazione ‘Mindless  Perception’  realizzata con la  complicità  di  Ina  Stockem(Paesi Bassi). Dal 2008 entra a far parte di Caosmos realizzando insieme con Gabriella Riccio Noli Me Tangere.

Guest

Norsola Johnson inizia la sua carriera dedicandosi alla danza e alla musica. Si diploma  alla F.A.C.E. centro di belle arti di Montreal in voce e clarinetto. E’ direttore di produzione e bboking agent a Montreal per il Foufounes Electrique dove all’inizio degli anni ’90 assiste ad un concerto di The Ex and Tom Cora. Incantata dal viloncello d i Cora decide di dedicarsi interamente ad indagare le potenzialità di questo strumento. Collabora con numerosi gruppi locali qali  Molasses con cui incide 4 albums: ‘Trouble at Jinx Hotel’ (2004), ‘A Slow Messe’ (2002), ‘Trilogie – Toil and Peaceful Life’ (2000), e ‘You’ll Never Be Well No More’ (1999).Nel ’96 inizia la sua collaborazione con Godspeed You Black Emperor! il gruppo cui si dedicherà interamente per i successivi dieci anni facendo tourné in tutto il mondo e incidendo 4 albums: ‘F#A# ‘(1997), ‘Slow Riot For New Zero Kanada’ (1999), ‘Lift Your Fists Like Antennas to Heaven’ (2000), and ‘Yanqui U.X.O.’ (2002). Ha inciso, composto e performato per e con numerosi artisti e gruppi quali: Amon Tobin, The Ratchet Orchestra, Land of Kush, Fly Pan Am, Hrsta, and Sam Shalabi. Nel 2005 incide e pubblica in collaborazione con Sixtoo il progetto dal titolo ‘Sixtoo and Norsola – Homages’. Attualmente compone per la danza e per il cinema continuando ad esplorare le frontiere del violoncello

di LUCA MARCONI
in Corriere del Mezzogiorno Martedì 28 Luglio 2009 p.17 NA

Fare «rete» perché le eccellenze, le associazioni o fondazioni culturali, i soggetti privati napoletani capaci di produrre eventi d’alto profilo, ma che finiscono per essere ignorati paradossalmente proprio «in casa», agiscano e promuovano cultura come un soggetto unico in rapporto con le istituzioni o senza ma comunque insieme. È l’obiettivo che si sono prefissi Maria Pia Incutti, direttrice del Plart di via Martucci, Peppe e Raffaella Morra della fondazione omonima (del Museo Nitsch) e della Em-Arts, Franco Rendano della Carlo Rendano Association (Trip e Lanificio) con la Tramontano Arte di Davide De Blasio e la fondazione Sdn di Marco Salvatore, le associazioni Caosmos di Gabriella Riccio e la Locus Solus (a Palazzo Spinelli) di Nathalie de Saint Phalle o ancora l’Associazione Alessandro Scarlatti, Libera Scena Ensemble, Artetéka, la fondazione Valenzi o la Ecocircoli.it di Pasquale Mungione. Ieri sera al museo della plastica, il Plart di via Martucci, hanno discusso dello statuto di «Circuito», l’alleanza operativa che si voleva in vista del Forum Universale delle Culture a Napoli nel 2013, ma si è anche parlato anche di un «Festival del pensiero emergente» che già il prossimo settembre potrebbe rodare la compagine in grado di ospitare autonomamente, nelle rispettive strutture, un evento di carattere internazionale. Un progetto seguito con particolare attenzione, tra l’altro, da Freak Out Magazine e dalla vicedirettrice del vicino istituto francese di Napoli, Martine Segonds-Bauer. Ma anche dall’assessore al Forum 2013, Nicola Oddati. I promotori imprenditori, Rendano e Incutti, dribblano abilmente ogni polemica: anche se l’alleanza sembra cominciare soprattutto da una comunicazione con le istituzioni assolutamente deludente, quel che conta è la volontà di contribuire alla programmazione culturale cittadina. Che evidentemente non può risolversi, a esempio, nei fondi distribuiti dall’Ept ai soliti eventi estivi rodati e all’ultimo secondo, così che non solo i turisti, ma anche i napoletani finiscano per ignorarli del tutto. Ma spiega meglio la Incutti: «All’inizio abbiamo pensato a un gruppo di eccellenze di supporto all’agenda del Forum 2013 ma, durante i nostri incontri, abbiamo sollecitato anche la possibilità di unirci indipendentemente nel determinare un movimento culturale che faccia anche senza sovvenzioni». «Ci siamo avvicinati in tanti già al Lanificio, a maggio, durante l’evento ‘‘Napoli Connected’’», aggiunge Franco Rendano, «dove, dopo l’apertura di Aldo Masullo che richiamava le istituzioni a impegnarsi concretamente sulla programmazione culturale, molte associazioni hanno parlato della necessità di condividere una forma di comunicazione più efficace con le autorità. Già in quella occasione Paolo Verri, direttore di Torino Capitale d’Italia 2011, incontrò Oddati e successivamente Chiamparino ha scritto al sindaco Iervolino manifestandole l’intenzione di dedicare una piazza del festival torinese alla nostra città. Ecco, allora, l’importanza del fare rete con le istituzioni. E uno dei progetti sul quale potremmo provarci è il ‘‘Festival del pensiero emergente’’, composto da serie di mostre-eventi e dibattiti con Catherine Malabou, Bruno Moroncini e Alessandro dal Lago in programma in autunno al Lanificio e nella futura sede del Forum 2013, l’ex asilo Filangieri di San Gregorio, ma potrebbe crescere col contributo di tutti». Insomma, putipù e triccheballacche a parte, conclude Maurizio Elettrico, consulente Rai per il portale Cultura Campania e coordinatore del nascituro Circuito, si tratta di «favorire il patrimonio artistico della città e le sue produzioni».

L’isola sarà guardata nella sua bellezza

reading a due corpi per pubblico partecipe

di Gabriella Riccio & Mario Esposito

produzione caosmos / cia gabriellariccio

21.06.2009 h 21.00 Lat 40.84515200645736 Long 14.234408140182495

nell’ambito di “Le Isole si Accendono” Festival Internazionale di Poesia 6° edizione

a cura di Mimmo Grasso

Domenica 21 giugno per celebrare il Solstizio d’estate caosmos / cia gabriellariccio partecipa all’iniziativa collettiva “Le isole si accendono” festival internazionale di poesia a cura di Mimmo Grasso, con L’isola sarà guardata nella sua bellezza reading poetico performativo a due corpi  per  pubblico partecipe. Nello scenario raccolto di Caosmos Gallery di via Bonito 16 sulla collina di San Martino alle ore 21.00,  in contemporanea con un’eterogenaea costellazione di associazioni e singoli promotori,  verrà simbolicamente acceso un fuoco, una piccola luce di comunione per favorire la lettura sincronica della poesia La porta d’Oriente (Bab el Shark) della scrittrice araba Nidaa Koury.  Un canto muliebre di straordinaria forza evocativa e intrinseco valore geo-politico che aprirà la strada a un recitato a due corpi intessuto su testi di varia latitudine geografica e espressiva, nel tentativo confessato – più spontaneo che analitico –  di unificare i canoni occidenali e orientali sotto il vessillo etico della parola detta e apertamente ascoltata e agita. Interpreti del reading a due corpi per pubblico partecipe la coreografa/performer Gabriella Riccio e il poeta/performer Mario Esposito. Un tempo dedicato all’arte, alla poesia, alla performance, all’incontro e alla più naturale convivialità che si concluderà con la degustazione di buon vino e l’offerta di uno speciale cous-cous meticcio.

Tessera associativa 10€. Ingresso ai soci 5€.

Dato il ridotto numero di posti disponibili è vivamente consigliato un cortese cenno di adesione.

E’ possibile entrare dalle 20.00 alle 20.45 ora in cui avrà inizio la performance.
Per lo spirito dell’iniziativa e la struttura della performance non potremo in alcun modo permettere l’ingresso dopo le 20.45.

l’autore Sasha Waltz
il video DIDO AND AENEAS
la compagnia Sasha Waltz & Guests

Chiude Contemporanea09 con il 6° incontro dedicato a Sasha Waltz, coreografa di punta tedesca, recentemente insignita del titolo di Chevalier del Arts et des Lettres dall’Academie de France, con l’opera coreografica DIDO & AENEAS

regia e coreografia SASHA WALTZ

musica di Henry Purcell

Opera in prologo e 3 atti su testo di Nahum Tate AKADEMIE FÜR ALTE MUSIK BERLIN

direzione e ricostruzione Attilio Cremonesi

Un esempio di “Teatro totale” di Gabriella Gori 30/08/2006

“Omnia mutantur, nihil interit” (tutto si trasforma, nulla perisce) recitano le Metamorfosi di Ovidio e la forte pregnanza di questo celebre verso, che riecheggia il pànta rèi eracliteo, può essere presa in prestito per farne lo slogan dell’odierno “trasformismo” artistico di alcuni coreografi della scena coreutica internazionale. Da alcuni anni infatti si assiste ad un singolare fenomeno che vede i dancemakers occuparsi di allestimenti di opere liriche sia come autori delle parti coreografiche, che come registi veri e propri di queste messinscene. Una trasformazione sintomatica di un desiderio, e anche di un’esigenza, di esplorare nuovi campi e soprattutto di cimentarsi nel recupero del “teatro totale” wagneriano. Un progetto artistico in cui la danza si assume il compito di rendere visibile quello che musica, canto, parola, esprimono in nome di una teatralità olistica che ridisegna la concezione stessa dello spettacolo. Un’azione scenica ‘agglutinante’ che, superando le barriere di generi e codici espressivi differenti, fonde i diversi piani della rappresentazione e di cui non mancano esempi significativi. L’Orfeo di Monteverdi realizzato da Trisha Brown nel ’98, il Didone e Enea di Mark Morris del 1999, l’Orfeo e Euridice di Gluck coreografato da Emio Greco e Pieter C.Scholten nel 2004, Il Flauto magico di Mozart con la regia di Stephen Medcalf e le coreografie di Michael Tracy per i Pilobolus Dance Theatre nel febbraio 2006, il King Arthur su musica di Purcell con regia e coreografia di Mark Morris a giugno, il Didone e Enea del coreografo e regista Wayne McGregor a luglio alla Scala di Milano. Un novero di “coreoautori” fra cui si colloca anche Sacha Waltz, esponente dell’ultima generazione del Tanztheater. La Waltz con il suo Dido and Aeneas, andato in scena in esclusiva italiana al Teatro Comunale di Ferrara a giugno, ha affrontato per la prima volta la regia operistica e trovato una nuova fonte di ispirazione che – come lei stessa afferma – la incoraggia “a proseguire su questo cammino”. Inserito nella stagione lirica 2006 del teatro ferrarese, Dido and Aeneas è uno spettacolo che richiama in vita l’omonimo capolavoro barocco di Henry Purcell, su libretto di Nahum Tate, commissionato nel 1689 dal maestro di danza e coreografo Josias Priest, direttore del collegio femminile di Chelsea. Quell’anno le convittrici parteciparono, come cantanti e ballerine, alla mise en scène secondo l’usanza inglese di far interpretare le opere dal pubblico di dilettanti per il quale erano state scritte. La pièce di Purcell, che rappresenta una sorta di unicum nella storia del teatro musicale inglese, è una creazione ibrida che recupera la tradizione del masque elisabettiano, quella francese legata alla struttura peculiare dei ballets à entrées (balletto a quadri) e quella italiana dello stile vocale tipico del melodramma. La “coreoregista” tedesca, dopo un incontro ravvicinato con la musica classica in Impromptus su pagine di Schubert nel 2004, si è aperta a questa esperienza nel teatro lirico con la fiducia di chi individua nel “trasformismo” la strada per rinnovare il proprio iter professionale e creativo. Coadiuvata dal direttore e compositore Attilio Cremonesi, che è intervenuto sulla partitura originale, colmando lacune con l’aggiunta di musiche dello stesso Purcell nel prologo, o componendone altre per l’epilogo, l’artista ha riportato alla luce questo capolavoro ispirato al libro IV dell’Eneide di Virgilio che racconta il tragico e fatale amore tra Didone o Elissa, la regina di Cartagine, ed Enea, l’eroe troiano progenitore della gens Iulia, fondatrice dell’impero di Roma. Una storia immortale che l’eccellente Akademie fur Alte Musik di Berlino, diretta da Cremonesi, l’ottimo cast di coro, cantati e ballerini guidati dalla Waltz, hanno contribuito ancora di più a far apprezzare dal pubblico, rimasto letteralmente sbalordito dall’effetto scenico del prologo. Un’enorme vasca piena d’acqua che riempie il palcoscenico e, a sipario aperto, si mostra in tutta la sua imponenza agli spettatori che si accingono a prendere posto in sala. Una tipica “meraviglia” del teatro barocco ideata dalla stessa Waltz e da Thomas Schenk, come le scenografie dell’intero spettacolo, che richiama la maestria di Inigo Jones. L’architetto che nel Seicento contribuì allo sviluppo del masque grazie alla collaborazione con il musicista Ben Jonson e all’incontro in Italia con lo scenografo Sebastiano Serlio. Il famoso artifex di macchine teatrali in grado di costruire strabilianti trucchi scenici. Questa piscina all’inizio del Dido and Aeneas accoglie Nereidi, Tritoni, Ninfe, che al sorgere del festante Febo Apollo, tutto preso dall’arrivo di Venere e della primavera, si tuffano in una danza acquea di notevole impatto visivo e presenziano all’Amore di Didone ed Enea. Man mano che l’acqua defluisce appare Cartagine in cui Didone ed Enea vivono la loro passione immersi in un bucolico locus amoenus, circondati da un coro di pastori e pastorelle. Nel primo atto tutto avviene nella reggia dove Belinda, la confidente di Didone, che in Purcell prende il posto della virgiliana sorella Anna, esorta la regina a seguire i propri sentimenti mentre il personaggio della Seconda Donna sottolinea i rischi politici di un simile legame. L’arrivo del nobile ospite, accompagnato dal suo seguito e in tutta la sua folgorante bellezza, chiude il primo atto in un’atmosfera serena. Nel secondo la Maga svela il suo progetto di vendetta contro l’odiata Didone e s’impegna a favore del volere del fato, che ha già stabilito la partenza di Enea per le coste italiche. In un boschetto, dove si svolge una caccia, Belinda celebra il paesaggio e la stessa Diana ma la Seconda Donna richiamandosi alla tragica fine di Atteone, divorato dai suoi stessi cani, evoca un triste presagio di morte e sventura. L’arrivo di un temporale incupisce gli animi di Didone ed Enea mentre un elfo, con le sembianze del messaggero di Giove, Mercurio, ordina al principe troiano di partire. Il terzo atto vede l’euforia dei marinai, pronti a salpare, e la soddisfazione delle due Streghe e soprattutto della Maga che, novella Giunone, gioisce delle sventure dell’eroe troiano e pensa di vessarlo ancora di più con una tempesta marina. Dopo una conversazione con Belinda, nella quale Didone confessa la consapevolezza dell’inevitabile fine del rapporto, la regina ed Enea hanno un ultimo incontro in cui, a differenza di quanto accade nell’Eneide, l’eroe cerca di giustificarsi incolpando il volere divino e si dichiara pronto a disubbidire. Elissa rifiuta il velleitario gesto e lo accusa di ipocrisia e slealtà. Sarà lei a lasciarlo e, una volta congedato l’amato e salutata Belinda, si uccide. In un coro conclusivo gli Amori promettono di vegliare in eterno sull’infelice regina. La Waltz di fronte a questo dramma in musica, che infarcisce la tradizione mitologica classica di richiami al fiabesco mondo anglosassone, mette in atto suggestive soluzioni coreutico-teatrali con lo sdoppiamento dei protagonisti, un procedimento che ricorda quello di Rehinild Hoffmann nell’Idomeneo di Mozart, e un sapiente uso del coro. I cantanti nel Dido and Aeneas hanno il loro doppio in singoli danzatori che danno corpo alle passioni e alle emozioni, espresse dalla musica e dal canto, con una vigorosa orchestica di stampo contemporaneo. Addirittura la figura di Didone, incarnata dal mezzosoprano Aurore Ugolin, ha intorno non una ma due coreute, Clémentine Deluy e Michal Mualem, a sottolineare la lacerazione del suo animo, diviso tra la felicità dell’amore per Enea e la paura per l’intensità di questo legame. Una sorta di “ragione e sentimento” che sembrano riflettersi anche nella contrapposizione tra Belinda, simbolo della passione irrazionale rappresentata dal canto del soprano Deborah York e dalla danza di Sasa Queliz, e la Secondo Donna, simbolo della pacata razionalità, a sua volta resa dal soprano Céline Ricci e dalla tersicorea Maria Marta Colusi. La duplicazione si ritrova anche per Enea nel baritono Reuben Willcox e nel ballerino Virgis Puodziunas, che in alcuni momenti sono attorniati dal seguito composto dai danzatori Luc Dunberry e Manuel Alfonso Perez Torres. Del figlio di Anchise la “coreoregista” contribuisce a sottolineare, come in Purcell, il suo essere totalmente diverso dall’eroe virgiliano, il pius per eccellenza rispettoso del volere del fato e consapevole della missione provvidenziale affidatagli. Enea nella messinscena è un uomo vittima di un destino avverso e contrapposto alla regina di Cartagine, la vera eroina della pièce. La Maga, resa en travesti dal baritono Fabrice Mantegna, ha come Didone una duplicazione coreica in Juan Kruz Diaz de Garaio Esnola e Xuan Shi, per raffigurare il suo odio per Elissa ed Enea e a cui fa da contraltare la Prima Strega en travesti, interpretata dal tenore Eberhard Francesco Lorenz e dal danzatore Takako Suzuki, e la Seconda Strega, sempre en travesti, portata in scena dal tenore Michael Bennett e dal ballerino Jirì Bartovanec. D’impatto risultano le scene corali come quella della festa di corte in cui il canto, la musica, la danza, creano un’atmosfera ilare e distesa fra il pullulare di abiti variopinti ed eccentrici. Veri coup de théatre sono le apparizioni improvvise di Maga e Streghe da botole nascoste o la realizzazione del bosco con danzatori trasformati in alberi-viventi. Suggestiva in chiusura la sequenza della morte di Didone che, preda del furor amoris e avvolta dai suoi lunghi capelli, sparisce contemporaneamente all’accendersi di tante luci sul palcoscenico vuoto. Alla fine orchestra, cantanti e danzatori sono stati sommersi da lunghi e calorosi applausi del pubblico che ha riservato a Sacha Waltz, quando si è presentata in palcoscenico, un’ovazione speciale.

Sasha Waltz, nata nel 1963 a Karlsruhe, ha iniziato a ballare già all’età di cinque anni. Ha poi studiato Danza e Coreografia alla School for New Dance Development di Amsterdam e ha concluso i suoi studi con un corso di specializzazione nel 1986-87 a New York.Al suo rientro in Europa è iniziata un’intensa collaborazione con coreografi, artisti visivi e musicisti come Mark Tompkins, David Zambrano, Vorè e Tristan Honsinger. Insieme con Jochen Sandig ha fondato nel 1993 la compagnia Sasha Waltz & Guests e nel 1996 la Sophiensæle a Berlino, uno dei luoghi di produzione più importanti per il Teatro Libero e la Danza in Europa. Dal 1999 al 2004 ha curato insieme con Jens Hillje, Thomas Ostermeier e Jochen Sandig la direzione artistica della Schaubühne am Lehniner Platz, dove sono stati rappresentati tutti i pezzi della compagnia Sasha Waltz & Guests. Nel 2004 la compagnia, ora di nuovo indipendente, sotto la guida di Sasha Waltz e Jochen Sandig, si è sciolta dalla Schaubühne. Lo stesso anno Sasha Waltz ha realizzato la sua prima produzione operistica con Dido & Aeneas con la musica di Henry Purcell. Sono seguite altre opere coreografiche come Medea con partiture di Pascal Dusapin e Romeo et Juliette con la sinfonia di Hector Berlioz, rappresentata in prima assoluta all’Opéra National a Parigi. Nel 1998 in collaborazione con arte/ZDF è stato girato Allee der Kosmonauten con la regia di Sasha Waltz. Per questo debutto cinematografico ha ricevuto oltre a numerosi riconoscimenti internazionali il premio Adolf Grimme. Nella primavera del 2008 ha avuto la sua prima rappresentazione a Francoforte sul Meno il progetto Jagden und Formen grazie ad un’ulteriore collaborazione con l’Ensemble Modern. Dopo un restauro durato dieci anni del Neues Museum a Berlino Sasha Waltz ha qui messo in scena nel marzo 2009 con la sua compagnia in una formazione di 70 danzatori, il progetto Dialoge 09 – Neues Museum, prima della prevista riapertura in autunno. Nel 2008 in occasione del quindicesimo anniversario dalla fondazione della compagnia Sasha Waltz & Guests è stato pubblicato il volume fotografico Cluster (edito da Henschel Verlag).

l’autore coreografo Philippe Decouflé
il video KALEIDOSCOPE
la compagnia DCA

Philipphe Decouflé, ha girato l’Italia e l’Europa con i suoi magistrali spettacoli,
tra i più inventivi sul piano visivo,
basati sulla consueta capacità di manipolare le immagini dal vivo con proiezioni video.
KALEIDOSCOPE ripercorre 20 anni di ricerca video-coreografica con una poliedrica variegata e ricca collezione di video saggi e corti, a partire dal primissimo “La voix des legumes” del 1982 fino a Le Petit Bal e le ultime realizzazioni fino al 2004.

“Da bambino sognavo di diventare un disegnatore di fumetti. Il disegno resta il punto di partenza nel mio processo creativo. Ho un’idea, faccio uno schizzo delle immagini che mi saltano in mente. La mia cultura sono i fumetti, la commedia musicale, e la danza nelle discoteche e.. Oskar Schlemmer, coreografo del Bauhaus. La scoperta delle foto dei personaggi del suo Balletto Tragico sono stati per me una rivelazione. Da tempo avevo voglia di lavorare con delle forme geometriche semplici: un cubo, un triancolo, mi piaceva osservare come queste linee e questi volumi si comportavano tra di loro. Alvin Nikolais mi ha insegnato l’importanza della luce e dei costumi e la consapevolezza che era possibile fondere tutto. Nella danza mi ha influenzato maggiormente la tecnica di Merce Cunnngham. A New York ho seguito i laboratori sul video che lui stesso insegnava: appassionante! Li ho imparato a gestire i probemi relativi a distanza e geometria, le regole elementari dell’ottica e del movimento., qualcosa di estremo e di delirante… Cerco sempre una danza del disequilibrio, sempre al limite della caduta. Come modelli i fratelli Marx, per esempio, in particolare Groucho Marx, ho coltivato il suo gusto di prendere dei rischi maliziosi,  la ripetizione comica dell’errore…. ” P.D.

La maggior parte dei coreografi sono solo coreografi! Philippe Decouflé è ben più di questo: una  videocamera danzante, uno strumento multi-mediale e un sognatore a tutto tondo di prodotti e del tipo di cultura in cui tutto è determinato dalla ricerca. Ciò che affascina Decouflé sono le immagini, sia sul palco che in pellicola. Tra le sue molteplici realizzazioni lo spot per una macchina fotografica ha vinto il Leone d’Argento a Venezia, mentre uno dei suoi video ha vinto il premio qualità del Ministero della Cultura. Il suo laboratorio un enorme dado un tempo una centrale elettrica chiamato “La Chaufferie”.

La tua prima incursione nel video d’arte è venuta prima o dopo la tua attività di coreografo?
Tutto è iniziato contemporaneamente.  Il mio interesse per la danza era stimolato tanto dal  film quanto dalla mia stessa danza. Solo più tardi ho visto delle coreografie  Vedevo film jazz, con la danza dei fratelli Nicolas. Mi piaceva quel tipo di cose. E il genere Commedia Musicale. Ho sempre amato il rapporto tra danza e videocamera. Il mio primo video ‘La voix des légumes’ (‘La Voce delle verdure’) nei primi anni Ottanta è apparso prima della mia prima produzione coreografica. Si trattava di un piccolo duo. Successivamente sono arrivato alla conclusione che non eral’ideale in termini di tecnologia video. Volevo fare il cinema, più attraente per chi cerca immagini fantastiche e lnuove angolazioni. Da allora ho sempre cercato di filmare in pellicola adatta anche alla televisione. Anche se va detto che la tecnologia video è migliorata da allora e il video digitale consente di scattare bellissime immagini in un modo molto semplice. Le attrezzature sono sempre meno costose e più leggere.

Chi sono stati i Suoi insegnanti?
Uno dei miei primi maestri è stato Alwin Nikolais. Ho lavorato con lui in Francia e New York e ho visto i suoi film. Amavo veramente il suo approccio, il suo modo di affrontare tutto.  La sua tecnica di riprendere la danza in close-up solo su mani, gambe o ginocchia. Poi Cunningham, ho fatto un seminario con Cunningham a New York.

Qual è la differenza tra coreografia per il palco e per il video?
La differenza è notevole, ma si completano a vicenda. Il rapporto con il tempo e lo spazio è completamente diverso. Anche il modo in cui un danzatore si muove è diverso. Il cinema può essere sempre perfezionato, basta girare la scena fino a quando sei soddisfatto. Ma nel processo si perde la fragilità del ballerino in scena, la bellezza dell’effimero. Sebbene sia possibile sviluppare uno stesso tema sia per il palcoscenico che per il video, si devono adeguare le rispettive relazioni temporali e spaziali. Buona parte di ciò che può accadere sul palco non è così interessante per il video. Nel mio prossimo film voglio sviluppare idee che non sono possibili sul palco, ma che restano tipiche della fotografia.

Chi ti influenza maggiormente quando giri?
L’operatore alla camera. E’ lui che crea le immagini,  scegliendo le riprese, le inquadrature,  l’illuminazione – è colui che crea la poesia delle immagini. Ogni operatore sviluppa il proprio modo di lavorare con l’immagine e il movimento.

Come gestisci lo spazio?
Con il cinema ci sono i tagli. Lo spazio cambia con ogni scena. There’s no frontal gearing of the image to the public and the edge of the stage. Non c’è la dimensione frontale e il limite del palco.  La cinepresa può essere collocata ovunque.  Non c’è bisogno di coreografare tutte le entrate e le uscite – il ballerino può semplicemente lasciare l’inquadratura o il cameraman può inquadrare altrove.

Ti capita di utilizzare stessi materiali per entrambi i generi?
‘ Shazam! ‘  e il film saggio ‘Abracadabra’ entrambi vertono sullo stesso argomento. Il lavoro concettuale è stato sviluppato in 18 mesi. La base è un esame attento esame su pura danza, sul rapporto tra danza e immagine e tra danza e musica dal vivo.

Come si può spiegare la forte posizione della Francia nella combinazione di danza e video?
In Francia, il livello della danza in generale è più alto che nella maggior parte dei paesi. La video-danza è esistita per quindici anni. Il Centro Pompidou ha organizzato proiezioni video e così ogni anno un pubblico è cresciuto e il suo gusto si è raffinato. I coreografi hanno sviluppato un grande interesse per il genere. Io stesso sono stato co-prodotto da ARTE. Catherine Trautmann recente mi ha contattato perché vuole migliorare il profilo di danza e delle arti in generale, in TV. Al momento, la danza viene presentata in orari scomodissimi.  Un numero maggiore di  persone potrebbero entrare in contatto con la danza contemporanea se questa riuscisse a conquistare spazi migliori ma deve meritarlo.

Stai lavorando a nuovi progetti che combinano danza e le immagini in movimento?
Al momento sto lavorando ad un lungometraggio con una sorta di copione. Vedo la danza come qualcosa di fine a se stesso piuttosto che in funzione di una trama. Voglio sviluppare cose che non sarebbero possibili sul palco. Avevo programmato di sviluppare un nuovo progetto su larga scala con Jean-Paul Montanari del Montpellier Danse, ma abbiamo perso il finanziamento.  Ora porto ‘Shazam!’ e’ Triton ‘ in tour nei festival.  Vorrei integrare altre immagini in fase di lavoro o coreografare ballerini virtuali. Vedo nel mio futuro lavorativo allerini e ologrammi interagire semprepiù sul palco. Qualsiais cosa nuova mi interessa enormemente.Adoro evocare sogni e la poesia nella creatività.  Il video può essere molto efficace per questo. Perchè il pubblico non dovrebbe liberamente alternare la fruizione dell’uno e dell’altro aspetto?

Thomas Hahn Thomas Hahn
Pubblicato in Ballet International Actual Dance Magazine

NOLI ME TANGERE
performance, danza, reading, live elettronica

di e con Gabriella Riccio e Paolo Rudelli

Berlino DOCK11

dal 30 luglio al 2 agosto 2009
ore 20.30

DOCK11
Kastanienallee 79 Prenzlauer Berg
10435 Berlin

infoline +49 (0)30 4481222 (Dock11) +39 339 77 77 242 (Caosmos)

caosmos / cia gabriellariccio

NOLI ME TANGERE
performance, danza, reading, live elettronica

di e con Gabriella Riccio e Paolo Rudelli

progetto coreografia danza voci Gabriella Riccio e Paolo Rudelli
regia e drammaturgia Gabriella Riccio
ambiente sonoro Paolo Rudelli
ambiente letterario Gabriella Riccio
disegno luci Paolo Rudelli
assistente regia e tecnica Mario Esposito
foto di scena Piero Cremonese
produzione promozione distribuzione caosmos / cia gabriellariccio
durata 50′

presentato in anteprima nell’ambito di TRANSITIDANZA 2 al Nuovo Teatro Nuovo stabile di innovazione di Napoli

www.caosmos.it

Noli Me Tangere è una sofisticata e minimale installazione per suono incarnato e corpo sonoro: una scena nuda presenta una serie di microfoni in cerchio, adagiati su pile di libri. Un meccanismo di produzione e composizione istantanea di suono e movimento. Una partitura fisica generata attraveso l’utilizzo di nuove tecnologie elttroniche e di ambienti sensibili applicati alla performance (software Pure Data). Saperi e messaggi filosofici, poetici, letterari si intersecano intorno a corpo, intimità, relazione e divinità. Lo spettacolo legge e danza Nancy, Giddens, Murakami, Mishima, Dante, Bergson, e altri.

si parte da un gap
tempo che separa
spazio incolmabile tra gli esseri umani
distanza – discrepanza spazio-temporale
una distanza delle fasi dell’essere
il tempo-distanza momentaneo
un lasso
vuoto
interruzione
che tende a
che lascia intendere un
continuum
noli me tangere
non toccarmi
non trattenermi
Cristo trasfigurato che pronuncia alla Maddalena
impazienza -  urgenza
lacerante anche talvolta
come nell’atto creativo
performativo
non trattenermi da ciò che devo compiere adesso
perché è etico che l’arte sia
e forse anche scandalosa è l’urgenza di questa etica
dello scoprire
del mostrare
mostrarsi esposti
andare verso
un’azione irrinunciabile
ma
anche tabù
del contatto
del lasciarsi penetrare
del lasciare infrangere e
corrompere la nostra sfera di individui
la tendenza a non volere mutare di stato
rinunciare all’Io
andare oltre
in quanto la rinuncia alla corruzione è sterile
atto non fertile
il monito diventa quindi lacerante
memento a seguire una via della trasfigurazione
di un contatto con
l’impalpabile conoscenza di sè
del proprio dovere di compiersi

[Gabriella Riccio]

Noli me tangere. Non toccarmi. E invece: toccami. Attraversami. Noli me tangere è cosa che afferma il suo contrario e non contraddice. Perché attua con l’artificio poetico della danza, dell’alambicco dei corpi in movimento, una sana e profonda coincidentia oppositorum. Muta il nero oleoso dell’animo, il vischio brunastro della consuetudine, nel bianco arioso del più sincero dialogo tra gli esseri. Il problema della comunicazione è il problema dell’individuazione. Io corrisponde all’altro. Risolvere questo problema significa sciogliere. Solvere. Le cose composte saranno sciolte. L’altro è l’individuo.  E allora bisogna comporre un cerchio sulla scena, come a intendere un rito.  Bisogna che a una babele di testi impilati si fonda il linguaggio distonico dei corpi per evocarne uno nuovo e indefinitamente armonico. Bisogna che il corpo abbia voce e dica il non detto. Il corpo de l’uomo e de la donna. Materia sonora. Due voci che si cercano, si attraggono, respingono. Infine, dunque, comunicano. Si rispondono. Su tutto: Dicono a nome di tutti. Non puoi impedirmi di andare. Di trovare l’altro. Ecco una crocifissione luminosa, eccole – bellissime –  otto piaghe di luce. Perché qualcosa di noi ha da essere sacrificato per intendere l’altro. Per essere compreso e esserne compresi. Cupio dissolvi. Voglio morire ma solo per nascere nuovamente. Noli me Tangere. Non toccarmi. Ovvero, ora, qui: toccami. Attraversami.

[Mario Esposito]

http://gabriellariccio.wordpress.com/produzioni/noli-me-tangere/

“In tempi di scritture sceniche e di nuove drammaturgie del corpo, l’esperimento proposto da Noli me tangere… rappresenta un segnale intrigante lanciato alle attuali strade della ricerca teatrale… Una partitura complessa e seducente…” (Stefano de Stefano – Corriere del Mezzogiorno)

“Una performance di arte e teatro, in cui si intersecano le tematiche del contatto, possesso che finisce per divenire proprietà. Il tema della non accettazione della morte provocato dall’improvviso distacco dal corpo.” (Alessandra Cozzolino – Capitoloprimo.it)

“Gabriella Riccio, appassionata outsider della creatività coreografica, crea questa partitura su un vuoto temporale e ritmico che produce un effetto di distanza voluta, richiesta, irrinunciabile.” (Art a part of Culture)

“Forse il punto di forza di Noli me tangere risiede proprio nella scelta consapevole di lasciare irrisolta la tensione tra sacro e profano. Una tensione sfuggente evocata attraverso i corpi dei danzatori che sembrano scivolare l’uno sull’altro soltanto per non afferrarsi.” (Giuseppe Sedia – Exibart.com)

http://gabriellariccio.wordpress.com/press/

Gabriella Riccio – Artista, coreografa, regista, performer. Direttore artistico di caosmos / cia gabriellariccio fondato nel 2001 a Napoli. Un percorso europeo che la porta a Roma, Parigi, Berlino. Danza in alcuni tra i più prestigiosi spazi per la danza contemporanea in Europa quali il TanzPlatform di Düsseldorf, il Festival Eurokaz di  Lubjana, l’Albergo dei Poveri di Napoli, il Dock 11 di Berlino, Les Bains:Connectif di Bruxelles. Dal 2003 presenta i suoi lavori come autrice-coreografa. Il suo lavoro è incentrato sull’esplorazione del limite della performance nel rapporto con il pubblico. Le sue creazioni sono state commissionate e sostenute ripetutamente dal Goethe Institut Neapel (2004-2006). Con il suo lavoro è regolarmente invitata negli spazi istituzionali dedicati alla contemporaneità a Napoli. Nel 2008 è al Nuovo Teatro Nuovo stabile di innovazione, nell’ambito di Transitidanza2 – spazi per la danza contemporanea progetto promosso dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dall’ETI; sempre nel 2008 con Guerrilla Remixed 1 2 3 4 P  partecipa a ZAC Zona (di)  Attacco Creativo performance urbana nell’ambito del NTFI Napoli Teatro Festiva Italia; nel 2006 è presente al PAN Palazzo delle Arti di Napoli nell’ambito del festival internazionale di videodanza Il Coreografo Elettronico, dove  video dei suoi lavori ricevono una menzione orale della giuria per la qualità del lavoro coreografico; sempre al PAN, ritorna nel 2008, per lo spazio “danza visione” per la Giornata Mondiale della Danza. Nel 2007 i video sono stati presentati a Roma da Filmstudio80 nell’ambito della rassegna “Il video d’autore Made in Italy, tra genio e sregolatezza”. Ha collaborato con alcuni tra i maggiori esponenti della scena contemporanea internazionale quali il coreografo berlinese Felix Ruckert e il giapponese Hal Yamanouchi, il musicista elettronico Elio Martusciello, il sound artist Neil Leonard e dal 2008 Paolo Rudelli, scenografo eletronico, videasta, coreografo e danzatore con cui crea Noli Me Tangere. Ha collaborato inoltre con prestigiose istituzioni quali il Festival Romaeuropa, Enzimi2000, progetto Terpsychore. Le sue creazioni: 2003 WatchTouch;2004 Körpersprache; 2005 K.I.S.S. #1 about fragility; 2005 Mensch – über schönheit [Triptyk]; 2006 [Solo]; 2008 Echo Resonance & Memory; 2009 Noli Me Tangere; 2009 azione performativa in collaborazione con Carmine Rezzuti su testo di Mimmo Grasso per l’installazione Diventa ciò che sei nell’ambito della mostra-evento A Taglio negli spazi monumentali di Castel Sant’Elmo.

www.gabriellariccio.it

Paolo Rudelli, pur proseguendo  da oltre 18 anni una carriera internazionale come danzatore che lo ha portato a lavorare con i maggiori coreografi della fine de XXmo secolo(Jiri Killian, William Forsythe, Maurice Bejart, …)  e della danza contemporanea (Paco Decina, Karine Saporta, Felix Ruckert,…) sviluppa da anni un lavoro di creazione e ricerca che fonde diversi media (video, interattività, installazioni, performance) , dove il corpo e i sensi restano ineluttabilmente al centro. Le ultime produzioni di questa costante ricerca sono lo spettacolo  ‘Données immédiates de la conscience’ : assolo coreografico/videografico ispirato al lavoro del filosofo francese Henry Bergson e accompagnato dalla musica dal vivo degli ‘Winter Family’ (Francia/Israele); e la performance/installazione ‘Mindless  Perception’  realizzata con la  complicità  di  Ina  Stockem(Paesi Bassi). Dal 2008 collabora con caosmos / cia gabriellariccio realizzando insieme con Gabriella Riccio Noli Me Tangere.

http://paolorudelli.lickthetoad.org

l’autore coreografo William Forsythe
il video IMPROVISATION TECHNOLOGIES – A Tool for the Analytical Dance Eye
la compagnia Frankfut Ballet

“Improvisation Technologies” è uno strumento didattico digitale che introduce le tecniche di improvvisazione sviluppate da Forsythe nel training fondamentale. Forsythe illustra i principi chiave delle suo lavoro sull’improvvisazione in più di 100 capitoli nella forma di brevi lezioni. Le registrazioni sono state create graficamente: linee bianche animate e altri effetti delineano sequenze di movimenti e figure. In questo modo il movimento nella sua relazione con lo spazio può essere percepito in modo alquanto differente.  Performance e sequenze di prove in studio sono linkate con lezioni dimostrative che ne illustrano l’impianto teorico.

Ai tempi in cui il coreografo americano William Forsythe (New York 1949) assunse la direzione artistica del Ballett Frankfurt, nel 1984, non era molto conosciuto sulla scena internazionale della danza.

Da allora, l’ex ballerino del New Yorker Joffrey Ballet e dello Stuttgarter Ballett ha portato la sua compagnia di danza ad essere una delle più famose e innovative a livello mondiale. Forsythe è stato capace – come nessun altro coreografo in posizione altrettanto esposta – di evolvere continuamente sé stesso e sorprendere ogni volta gli spettatori con messe in scena avvincenti e un linguaggio motorio insolito.

Ascoltare il linguaggio del balletto
Fin dall’inizio, la particolarità del lavoro di William Forsythe è stata la sua comprensione del balletto come linguaggio vivo, che non può essere espresso sempre nella stessa maniera come se si trattasse di un oggetto morto. Per lui, la tradizione del balletto classico non è qualcosa che si può possedere, ma piuttosto che cambia costantemente nel suo uso vivace della tradizione e nell’interazione con questioni contemporanee.  Così, le sue prime coreografie, ancora molto influenzate dal vocabolario neoclassico, esercitarono un grandissimo fascino sul pubblico perché divertiva vedere che anche una ballerina classica poteva muovere i fianchi per conferire al movimento una dinamica molto coinvolgente. Forsythe ha ascoltato il linguaggio del balletto e scoperto così delle possibilità fino ad allora ignote, offerte dal collegamento e dallo spostamento di posizioni fino che fino ad allora sembrava non potessero essere modificate.

Il dialogo con altre forme artistiche e settori della conoscenza
Il suo interesse per il movimento e per ciò che esso provoca e può significare non si è ancora esaurito. Nel corso della sua carriera, Forsythe ha convogliato il balletto con molte altre forme artistiche e settori della conoscenza e dischiuso così nuove possibilità per consentire al corpo di muoversi. Per il suo Limbs Theorem del 1990, si è occupato dei disegni architettonici decostruttivisti di Daniel Libeskind, le cui linee e strutture spaziali sono servite come punto di partenza per le direttrici dei movimenti dei ballerini. All’inizio degli anni novanta, spettacoli come ALIE/N A(C)TION oder Eidos:Telos hanno messo in evidenza il suo interesse crescente per  la tecnologia dei computer, con l’ausilio della quale sono sorti sistemi basati su principi di casualità, che potevano essere plasmati dal vivo dai ballerini nel corso dello spettacolo stesso.

Per questo, le coreografie di Forsythe devono essere comprese come zona, all’interno della quale può verificarsi un evento. Tale zona non è occupata a priori con determinate idee, ma è aperta all’imprevedibile, a nuove ispirazioni; è uno spazio per scoprire possibilità che non sarebbero state considerate precedentemente.
In questo senso, la concezione didattica di Dance, diretta insieme ad altri coreografi, non è quella di insegnare una tecnica di danza ai giovani ballerini. Le conoscenze relative alla creazione di video o all’architettura, che – fra le altre cose – vengono loro trasmesse nel corso della formazione, servono da strumento e stimolo per la riflessione e per mettere in moto processi lavorativi creativi. Con un approccio così aperto, il balletto smette di essere un’arte della rappresentazione e la messa in scena di una storia o di un decorso motorio unico e fisso. Lo spettacolo si trasforma invece in una situazione vivace, che viene configurata attivamente dai ballerini e alla quale può partecipare anche il pubblico. Ogni essere umano si trasforma in ballerino.

La coreografia come il riflesso di spazialità sociali
In City of Abstracts i passanti in città hanno potuto osservare loro stessi e sviluppare così piccole coreografie. Nelle sue installazioni-performance come Human Writes o Heterotopia, alle quali Forsythe ha lavorato approfonditamente negli anni scorsi, la coreografia si trasforma in pratica sociale. Le installazioni di Forsythe sono una serie di esperimenti guidati, nei quali tutti i partecipanti possono percepire, insieme, il proprio corpo e i relativi movimenti. Nel momento in cui una performance come Human Writes si occupa della situazione difficile dei diritti umani, si comprende quali possano essere le potenzialità della danza e del movimento. Del resto, non sono solo le leggi astratte e comuni che garantiscono la nostra convivenza. Piuttosto, i beni comuni emergono e vengono plasmati dalle nostre pratiche corporee, dai nostri movimenti quotidiani.  Proprio in questo si può individuare il significato politico della concezione che Forsythe ha della danza. Egli dischiude degli spazi ponendo gli esseri umani in un nuovo contesto estraneo e facendoli confrontare con esso, affinché apprendano a riflettere diversamente sui propri spazi (sociali) e scoprire le proprie potenzialità d’azione.
vedi >>> the City of Abstracts

Un modello di finanziamento unico per tutta la Germania
Grazie alla fondazione della The Forsythe Company, che ha iniziato a lavorare nel 2005, William Forsythe opera indipendentemente dalle strutture delle Städtische Bühnen Frankfurt am Main, nell’ambito di un modello unico per la Germania, che si chiama “Public Private Partnership”. In questo contesto, i partner della cooperazione, le regioni Hessen e Sachsen e le città di Francoforte sul Meno e di Dresda, mettono a disposizione tre quarti del bilancio per la compagnia (3 milioni di Euro all’anno) e gli spazi per gli spettacoli: il Bockenheimer Depot e il Festspielhaus Hellerau. Il restante quarto viene coperto da sponsor privati. Da allora, Forsythe lavora a Francoforte e a Dresda. Il suo gruppo continua ad essere presentissimo in occasione dei festival internazionalli. Grazie a numerosi progetti d’installazione, Forsythe ha ampliato lo spettro delle sue attività a livello mondiale. I contratti di The Forsythe Company scadranno nell’anno 2010. Speriamo che quest’unica situazione di laboratorio di danza possa continuare ad esistere anche oltre questa data.

testo del Prof. Dr. Gerald Siegmund è studioso di teatro e danza e lavora presso l’Institut für Theaterwissenschaft dell’Università di Berna. Nel 2004 ha pubblicato il libro “William Forsythe – Denken in Bewegung” con l’editrice Henschel Verlag.Copyright: Goethe-Institut e.V. Traduzione: Isabella Colliva fonte

Nel Ventre dei Linguaggi di Domenico Sodano

CONTEMPORANEA 09: VIDEOINCONTRI DI GABRIELLA RICCIO LA RASSEGNA

Nel ventre dei linguaggi

di Domenico Sodano

Si dice che l’arte sia il permettere a tutti i pensieri, convinzioni e forme d’esistere. Un’idea possibile che abbiamo avuto modo di percepire varcando le porte del “Caosmos”, polo culturale per le arti contemporanee che da qualche anno sostiene le attività della Compagnia “Gabriella Riccio” (nella foto a sinistra). È appunto in questo “ventre”, così come la sua creatrice ama definirlo, una galleria raccolta, universo chiuso, spazio fertile al cui interno si vuole lasciare l’infinito esistente tra le particelle della materia, che ha avuto inizio “Contemporanea 09”: rassegna di videoincontri e conversazioni su performance contemporanee e i nuovi linguaggi della danza, espressioni performate e coreo- grafie d’autore. Iniziativa volta a promuovere autori di rilievo dei quali non si è avuta possibilità di conoscere, perchè giungenti e fermati alla capitale. “Chiave” per im-mettersi nel lavoro di personalità rappresentative! Una rassegna da animare ed incoraggiare, incentrata sull’aspetto creativo delle soggettività prescelte: Alain Platel, Julyen Hamilton, i Di Vi Eight, Williyam Forsythe, Sacha Waltz, Philippe Decouflé, autori attivi in Europa, fondamentali della scena contemporanea del nostro continente. Obiettivo di “Contemporanea 09” è di unire immagine e pensiero, immagine e riflessione su di essa. Non un’esposizione fine a se stessa ma una proiezione propositiva consapevole del suo scopo, mirante a sviluppare un senso critico al massimo rispetto della sua fruizione. Corrispondenza tra pensiero e parola, su ciò che viene visto, innestante tra uditore ed immagine, mirante a un dialogo confidente con una platea capace di fruire e godere appieno del prodotto culturale contemporaneo.
Chiedendo a Gabriella Riccio se il concetto di contemporaneità sia assenza di tradizione o evoluzione di essa lei riporta il «pensiero della linearità e della radialità», dove si è sempre in unione e in contatto con un tutto, nella quale la contemporaneità non esisterebbe se non fosse in relazione con essi; e il rapporto della simultaneità, il dialogo, unitamente ad altre forme di arte, cultura, paese, lingue, idee, politica e concetti. «Progetto importante, naturale, fisiologico, fatto di proposta e valore d’azione, rivolto ad un pubblico che riesca a leggere appieno i segni di una contemporaneità, goderne e a parteciparne». Del resto lo stesso Hamilton, protagonista di uno degli appuntamenti del civico 16 di Via Bonito, parla dell’importanza dello spazio esistente nella materia, degli elettroni quali particelle minime tenute da un legame che è fatto di spazio, dell’interesse di trasformare e coinvolgere la natura di ambienti diversi. Prossimo appuntamento martedì con l’autore Lloyd Newson e il video “The cost of living”.

articolo pubblicato su IL ROMA cultura sabato 16 maggio 2009

NOLI ME TANGERE
performance, danza, reading, live elettronica

di e con Gabriella Riccio e Paolo Rudelli

Roma, Deus Ex Machina 0.1
28 maggio 2009, ore 21.30

Kollatino Underground
via Georges Sorel 10,
00177 Roma
www.kollatinounderground.org
info@kollatinounderground.org

infoline 3382006735 (Kollatino Underground)

caosmos / cia gabriellariccio

NOLI ME TANGERE
performance, danza, reading, live elettronica

di e con Gabriella Riccio e Paolo Rudelli

progetto coreografia danza voci Gabriella Riccio e Paolo Rudelli
regia e drammaturgia Gabriella Riccio
ambiente sonoro Paolo Rudelli
ambiente letterario Gabriella Riccio
disegno luci Paolo Rudelli
assistente regia e tecnica Mario Esposito
foto di scena Piero Cremonese
produzione promozione distribuzione caosmos / cia gabriellariccio
durata 50′

presentato in anteprima nell’ambito di TRANSITIDANZA 2 al Nuovo Teatro Nuovo stabile di innovazione di Napoli

www.caosmos.it

Noli Me Tangere è una sofisticata e minimale installazione per suono incarnato e corpo sonoro: una scena nuda presenta una serie di microfoni in cerchio, adagiati su pile di libri. Un meccanismo di produzione e composizione istantanea di suono e movimento. Una partitura fisica generata attraveso l’utilizzo di nuove tecnologie elttroniche e di ambienti sensibili applicati alla performance (software Pure Data). Saperi e messaggi filosofici, poetici, letterari si intersecano intorno a corpo, intimità, relazione e divinità. Lo spettacolo legge e danza Nancy, Giddens, Murakami, Mishima, Dante, Bergson, e altri.

si parte da un gap
tempo che separa
spazio incolmabile tra gli esseri umani
distanza – discrepanza spazio-temporale
una distanza delle fasi dell’essere
il tempo-distanza momentaneo
un lasso
vuoto
interruzione
che tende a
che lascia intendere un
continuum
noli me tangere
non toccarmi
non trattenermi
Cristo trasfigurato che pronuncia alla Maddalena
impazienza -  urgenza
lacerante anche talvolta
come nell’atto creativo
performativo
non trattenermi da ciò che devo compiere adesso
perché è etico che l’arte sia
e forse anche scandalosa è l’urgenza di questa etica
dello scoprire
del mostrare
mostrarsi esposti
andare verso
un’azione irrinunciabile
ma
anche tabù
del contatto
del lasciarsi penetrare
del lasciare infrangere e
corrompere la nostra sfera di individui
la tendenza a non volere mutare di stato
rinunciare all’Io
andare oltre
in quanto la rinuncia alla corruzione è sterile
atto non fertile
il monito diventa quindi lacerante
memento a seguire una via della trasfigurazione
di un contatto con
l’impalpabile conoscenza di sè
del proprio dovere di compiersi

[Gabriella Riccio]

Noli me tangere. Non toccarmi. E invece: toccami. Attraversami. Noli me tangere è cosa che afferma il suo contrario e non contraddice. Perché attua con l’artificio poetico della danza, dell’alambicco dei corpi in movimento, una sana e profonda coincidentia oppositorum. Muta il nero oleoso dell’animo, il vischio brunastro della consuetudine, nel bianco arioso del più sincero dialogo tra gli esseri. Il problema della comunicazione è il problema dell’individuazione. Io corrisponde all’altro. Risolvere questo problema significa sciogliere. Solvere. Le cose composte saranno sciolte. L’altro è l’individuo.  E allora bisogna comporre un cerchio sulla scena, come a intendere un rito.  Bisogna che a una babele di testi impilati si fonda il linguaggio distonico dei corpi per evocarne uno nuovo e indefinitamente armonico. Bisogna che il corpo abbia voce e dica il non detto. Il corpo de l’uomo e de la donna. Materia sonora. Due voci che si cercano, si attraggono, respingono. Infine, dunque, comunicano. Si rispondono. Su tutto: Dicono a nome di tutti. Non puoi impedirmi di andare. Di trovare l’altro. Ecco una crocifissione luminosa, eccole – bellissime –  otto piaghe di luce. Perché qualcosa di noi ha da essere sacrificato per intendere l’altro. Per essere compreso e esserne compresi. Cupio dissolvi. Voglio morire ma solo per nascere nuovamente. Noli me Tangere. Non toccarmi. Ovvero, ora, qui: toccami. Attraversami.

[Mario Esposito]

http://gabriellariccio.wordpress.com/produzioni/noli-me-tangere/

“In tempi di scritture sceniche e di nuove drammaturgie del corpo, l’esperimento proposto da Noli me tangere… rappresenta un segnale intrigante lanciato alle attuali strade della ricerca teatrale… Una partitura complessa e seducente…” (Stefano de Stefano – Corriere del Mezzogiorno)

“Una performance di arte e teatro, in cui si intersecano le tematiche del contatto, possesso che finisce per divenire proprietà. Il tema della non accettazione della morte provocato dall’improvviso distacco dal corpo.” (Alessandra Cozzolino – Capitoloprimo.it)

“Gabriella Riccio, appassionata outsider della creatività coreografica, crea questa partitura su un vuoto temporale e ritmico che produce un effetto di distanza voluta, richiesta, irrinunciabile.” (Art a part of Culture)

“Forse il punto di forza di Noli me tangere risiede proprio nella scelta consapevole di lasciare irrisolta la tensione tra sacro e profano. Una tensione sfuggente evocata attraverso i corpi dei danzatori che sembrano scivolare l’uno sull’altro soltanto per non afferrarsi.” (Giuseppe Sedia – Exibart.com)

http://gabriellariccio.wordpress.com/press/

Gabriella Riccio – Artista, coreografa, regista, performer. Direttore artistico di caosmos / cia gabriellariccio fondato nel 2001 a Napoli. Un percorso europeo che la porta a Roma, Parigi, Berlino. Danza in alcuni tra i più prestigiosi spazi per la danza contemporanea in Europa quali il TanzPlatform di Düsseldorf, il Festival Eurokaz di  Lubjana, l’Albergo dei Poveri di Napoli, il Dock 11 di Berlino, Les Bains:Connectif di Bruxelles. Dal 2003 presenta i suoi lavori come autrice-coreografa. Il suo lavoro è incentrato sull’esplorazione del limite della performance nel rapporto con il pubblico. Le sue creazioni sono state commissionate e sostenute ripetutamente dal Goethe Institut Neapel (2004-2006). Con il suo lavoro è regolarmente invitata negli spazi istituzionali dedicati alla contemporaneità a Napoli. Nel 2008 è al Nuovo Teatro Nuovo stabile di innovazione, nell’ambito di Transitidanza2 – spazi per la danza contemporanea progetto promosso dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dall’ETI; sempre nel 2008 con Guerrilla Remixed 1 2 3 4 P  partecipa a ZAC Zona (di)  Attacco Creativo performance urbana nell’ambito del NTFI Napoli Teatro Festiva Italia; nel 2006 è presente al PAN Palazzo delle Arti di Napoli nell’ambito del festival internazionale di videodanza Il Coreografo Elettronico, dove  video dei suoi lavori ricevono una menzione orale della giuria per la qualità del lavoro coreografico; sempre al PAN, ritorna nel 2008, per lo spazio “danza visione” per la Giornata Mondiale della Danza. Nel 2007 i video sono stati presentati a Roma da Filmstudio80 nell’ambito della rassegna “Il video d’autore Made in Italy, tra genio e sregolatezza”. Ha collaborato con alcuni tra i maggiori esponenti della scena contemporanea internazionale quali il coreografo berlinese Felix Ruckert e il giapponese Hal Yamanouchi, il musicista elettronico Elio Martusciello, il sound artist Neil Leonard e dal 2008 Paolo Rudelli, scenografo eletronico, videasta, coreografo e danzatore con cui crea Noli Me Tangere. Ha collaborato inoltre con prestigiose istituzioni quali il Festival Romaeuropa, Enzimi2000, progetto Terpsychore. Le sue creazioni: 2003 WatchTouch;2004 Körpersprache; 2005 K.I.S.S. #1 about fragility; 2005 Mensch – über schönheit [Triptyk]; 2006 [Solo]; 2008 Echo Resonance & Memory; 2009 Noli Me Tangere; 2009 azione performativa in collaborazione con Carmine Rezzuti su testo di Mimmo Grasso per l’installazione Diventa ciò che sei nell’ambito della mostra-evento A Taglio negli spazi monumentali di Castel Sant’Elmo.

www.gabriellariccio.it

Paolo Rudelli, pur proseguendo  da oltre 18 anni una carriera internazionale come danzatore che lo ha portato a lavorare con i maggiori coreografi della fine de XXmo secolo(Jiri Killian, William Forsythe, Maurice Bejart, …)  e della danza contemporanea (Paco Decina, Karine Saporta, Felix Ruckert,…) sviluppa da anni un lavoro di creazione e ricerca che fonde diversi media (video, interattività, installazioni, performance) , dove il corpo e i sensi restano ineluttabilmente al centro. Le ultime produzioni di questa costante ricerca sono lo spettacolo  ‘Données immédiates de la conscience’ : assolo coreografico/videografico ispirato al lavoro del filosofo francese Henry Bergson e accompagnato dalla musica dal vivo degli ‘Winter Family’ (Francia/Israele); e la performance/installazione ‘Mindless  Perception’  realizzata con la  complicità  di  Ina  Stockem(Paesi Bassi). Dal 2008 collabora con caosmos / cia gabriellariccio realizzando insieme con Gabriella Riccio Noli Me Tangere.

http://paolorudelli.lickthetoad.org

]]> http://caosmos2000.wordpress.com/2009/05/16/nmt-kollatino-underground-d-e-m-0-1/feed/ 0 gabriellariccio Noli Me Tangere di e con Gabriella Riccio e Paolo Rudelli foto Piero Cremonese Noli me tangere - foto Piero Cremonese Noli me tangere foto Piero Cremonese Noli me tangere foto Piero Cremonese http://caosmos2000.wordpress.com/2009/05/14/contemporanea-09-martedi-19-maggio-the-cost-of-living-dv8/ http://caosmos2000.wordpress.com/2009/05/14/contemporanea-09-martedi-19-maggio-the-cost-of-living-dv8/#comments Thu, 14 May 2009 06:29:08 +0000 admin http://caosmos2000.wordpress.com/?p=1879 ]]>

il video THE COST OF LIVING
l’auore Lloyd Newson
la compagnia DV8

The cost of living s’interroga sul “costo della vita” e sul “costo del vivere”, sugli ideali e sull’ipocrisia, sul comune senso del pregiudizio che circonda e corrode la vita personale di ogni uomo.
Il lavoro di Lloyd Newson e del DV8 Physical Theatre non critica soltanto la società, ma si propone di cambiarla, in un certo senso. In The cost of living il corpo diventa uno strumento per raccontare storie, quotidiane ma non comuni, di persone costrette ad affrontare il proprio allontanamento dal mondo: lo sguardo affonda dentro figure autentiche e fragili, scacciate ai margini per le loro differenze.
Una diversità che Newson trasmette come ricchezza, nei movimenti di performers differenti, fra loro, per età, dimensioni ed abilità fisica: ci sono due donne, alle quali viene chiesto di lasciare il Royal Ballet di Londra, una perché sta diventando troppo alta e l’altra perché ha problemi di peso; c’è un uomo di 150 chili e una settantaquattrenne che si muovono meravigliosamente; perfino un uomo che non ha più le gambe.
Come sempre nei suoi lavori, Newson lascia che emergano le verità più crudemente quotidiane, ovvero le normali e giornaliere costrizioni: ciò che siamo e quello che ci impongono di essere, pena l’esilio dal mondo. Lo spettacolo si trasforma così in un elogio dell’imperfezione, reale ed unico squarcio fra le omologazioni del mondo quotidiano, quelle che l’occhio dell’abitudine rende ormai impercettibili. C’è una verità fisica nel movimento, necessaria e provocatoria perché capace di destare, e Newson la cerca nell’umanità di chi non è più in grado di nascondere le proprie debolezze e di coloro che si ribellano al conformismo, e, come già era avvenuto in Enter Achilles, straordinario racconto sulla sessualità, non c’è posto qui per la facile comprensione o per il sentimento qualunquista.

Lloyd Newson fonda il DV8 nel 1986 a Londra, dopo aver lavorato, tra il 1981 e il 1985, con coreografi quali Karole Armitage, Michael Clark, David Gordon, Daniel Larrieu e Dan Wagoner.
Anche grazie all’esperienza di insegnante in Gran Bretagna, Australia e Sudamerica, egli è stato il primo in patria a ribattezzare il proprio lavoro “teatro fisico”. Compiendo quindi uno sforzo molto complesso sui danzatori, teso a creare una relazione indissolubile fra movimento e significato, Newson li incoraggia a ricercare modi di muoversi personali ed unici, il loro “vocabolario del movimento”. Quest’ultimo, infatti, per il coreografo, va articolato in un sistema espressivo massimamente integrato e ricco: «Cerchiamo un movimento che esprima il significato o l’idea che noi presentiamo istante per istante; se il movimento non riesce in questo compito, noi impieghiamo parole e canzoni per sostenerlo».
Newson ha abbandonato la danza tradizionale poiché la considera mancante di specificità, di problematicità e di rigore al di là della tecnica. Il suo rifiuto dell’astrazione, l’approfondimento sul significato del movimento e l’articolata adesione alle più attuali problematiche sociali hanno radicalmente rovesciato i principi estetici e formali sui quali è fondata gran parte della danza moderna attuale. Il DV8 Physical Theatre lavora quindi sul rischio, esteticamente e filosoficamente, sull’abbattimento delle barriere fra danza, teatro e individuo e, soprattutto, sulla comunicazione di idee e sentimenti in modo chiaro e senza pretese.
In ognuno dei suoi lavori, il DV8 ha coinvolto scenografi e compositori in grado di contribuire ad una complessa integrazione estetica fra corpo, architettura e musica, conferendo un impatto agli spettacoli ideati da Newson che ha suscitato adesioni e scandali fin da My sex, our dance, il primo lavoro ufficiale del DV8 Physical Theatre; con le successive produzioni Deep end (1987), eLeMeNt(h)ree sex (1987) e Dead dreams of monochrome men (del 1989, da cui il DV8 ha tratto un film), Newson ha approfondito con coerenza esemplare la sua analisi sull’uomo e sulla società.
I film del DV8, Strange Fish ed Enter Achilles, hanno vinto il Prix Italia rispettivamente nel 1994 e nel 1996. Tra le ultime produzioni del gruppo si ricordano Can we afford this /the cost of living (2000), una spietata analisi sulle ipocrisie e i pregiudizi, rielaborata per una performance al Tate Modern di Londra (2003) e Just for show (2005), sui meccanismi dello spettacolo, in un mondo in cui sembrare bravi è diventato più importante dell’esserlo.

www.dv8.co.uk

Coreografia e regia Lloyd Newson
Scene Lloyd Newson e Liam Steel
Suono e musiche Paul Charlier
Adattamento vocale Melanie Pappenheim
Suoni Gareth Fry
Luci Jack Thompson
Costumi Katy McPhee
Performers Jose Maria Alves, Robin Dingemans, Irene Hardy, Tom Hodgson, Eddie Kay, Eric Languet, Matthew Morris, Eddie Nixon, Kareena Oates, Talia Paz, Rowan Thorpe, David Toole, Vivien Wood, Arnon Zlotnik

Co-produzione DV8, Théâtre de la Ville and the Festival d’Automne; Romaeuropa Festival 2003; Julidans Festival / Stadsschouwburg Amsterdam; PACT Zollverein / Choreographisches Zentrum NRW; Hebbel-Theater Berlin.

Originariamente commissionato dal Sydney 2000 Olympic Arts Festival, e co-prodotto da DV8 e Royal Festival Hall, in associazione con Dance Umbrella.

Intervento di
GABRIELLA RICCIO, Direttore Artistico di caosmos / cia gabriellariccio

per i TAVOLI PER LA CULTURA una iniziativa promossa dal Coordinamento dei produttori e promotori di cultura e spettacolo della Regione Campania

Mercoledì 29 aprile 2009
dalle 11 alle 16 non stop
Antisala de Baroni – Castel Nuovo – Napoli

Modalità di accesso alla produzione, ed in generale di accesso alla L.R. nr 6 del 15 giugno 2007 ex articolo 6 comma 1 lettera  A – una testimonianza > il caso di caosmos / cia gabriellariccio

Premetto che parlerò a titolo meramente esemplificativo della esperienza di caosmos / cia gabriellariccio di cui sono presidente e direttore artistico, in quanto rappresentativa  di una situazione condivisa da numerose altre associazioni e giovani compagnie che operano sul territorio della Regione Campania e che si trovano nella condizione di presentare per la prima volta domanda di contributo sotto il regime di quella che è forse ancora legittimo chiamare la “nuova Legge Regionale”, che quest’anno conclude la prima triennalità.

Caosmos si occupa  dal 2001 di arti performative contemporanee e dal 2003 sostiene le attività e la produzione  della compagnia di danza da me diretta, che ha prodotto in 7 anni 8 lavori di qualità, in collaborazione con artisti di fama mondiale, lavori che hanno avuto, seppure nella nicchia rappresentata dal settore della danza di ricerca e sperimentazione, un importante riconoscimento di critica e di pubblico. Questi lavori sono regolarmente invitati e ospitati in rassegne e spazi dedicati alla contemporaneità in città quali l’Ente Nazionale di Promozione Movimento Danza, il Nuovo Teatro Nuovo con la rassegna Di Seconda Mano, il PAN con il Festival Il Coreografo elettronico e la Giornata Mondiale della Danza e anche sul territorio nazionale, da Bari a Roma, Milano, Torino fino ad arrivare all’estero, alla Germania e a Berlino. I lavori sono stati prodotti sino ad oggi con risorse in massima parte indipendenti e private e talvolta con il contributo di prestigiosi istituti stranieri di cultura quali il Goethe Insitut che per ben 3 anni ha sostenuto e promosso la nostra attività. Siamo stati destinatari inoltre nel 2002 di un contributo regionale in partenariato di allora ca 400.000.000 delle vecchie lire.

Caosmos può quindi essere a pieno titolo definita (secondo la lettera dell’articolo 6 comma 2 lettera A) una “realtà produttiva che realizza progetti che hanno comprovata storicità, qualificazione professionale e forte valore di innovazione”.

Tuttavia, presentando per la prima volta domanda di contributo quest’anno, abbiamo riscontrato una difficoltà di accesso al settore della produzione, settore che sembra accessibile solo ad organismi che sono già stati destinatari di consolidati interventi da parte dello Stato o della Regione, condizione difficilmente compatibile con lo status di compagnia giovane o nuova compagnia. Mentre viene dato accesso al settore della promozione.

Questo non è di secondaria importanza in quanto il settore della promozione prevede una copertura dei costi di allestimento nella misura del 40% e dei costi di comunicazione e spese generali nella misura del 20%. Mentre per il settore della produzione è prevista la copertura del 100% degli oneri e dei contributi, del 70% dei costi di allestimento e produzione e del  20% dei costi di comunicazione e spese di gestione.

Per una compagnia di danza che effettivamente sostiene costi di produzione – è un importante handicapp non avere accesso al contributo previsto per la produzione, se non dopo avere trascorso due anni nel settore della promozione, proprio nella fase di start up dove maggiore è l’investimento a fronte delle entrate potenziali, soprattutto per compagnie che operano nel settore della ricerca e della sperimentazione, quindi fuori da canali più commerciali.

Inoltre se si considera che per accedere all’iscrizione all’albo sono necessari 2 anni minimo di comprovata attività e dovendo poi per 2 anni avere accesso al solo settore della promozione le compagnie neo-costituite o le giovani compagnie devono attendere un totale di 4 anni per avere accesso al settore della produzione. Dovendo in questi anni sostenere i pesanti oneri contributivi – la scelta alternativa solo quella di fare attività fuori dai canali ufficiali (nero).  Si determina inoltre una perdita di competitività del nostro prodotto culturale regionale rispetto alle condizioni in cui possono operare compagnie giovani in altre regioni.

Più in generale:

La Legge Regionale nel suo impianto e da quanto discusso in fase di lavori preparatori è concepita su una ripartizione tra:
articolo 9, che regola l’attività di organismi stabili ad iniziativa pubblica;
articolo 8, che regola l’attività di imprese private di produzione distribuzione e promozione;
articolo 6, concepito per dare sostegno ad attività svolte con caratteristiche e requisiti diversi da quelli dell’articolo 8;

in fase di lavori preparatori si considerava questo articolo come quello che avrebbe potuto dare accesso alle giovani compagnie neo-costituite o alle nuove realtà propositive e produttive di qualità già presenti sul territorio che però non rientravano per tipologia, dimensione capacità di investimento, tra le imprese e organismi che avevano accesso all’articolo 8.
In fase di attuazione l’articolo 6 si è uniformato all’articolo 8. Vengono si stabiliti dei parametri quantitativi inferiori, ma i requisiti per accedere al contributo – la comprovata storicità, o l’essere già destinatari di consolidati interventi da parte dello Stato o della Regione – sono ritenuti necessari anche per l’accesso al settore della produzione in base all’articolo 6.

Quindi in fase di attuazione ci si trova davanti ad una contraddizione con l’intento della legge, in quanto l’articolo che doveva garantire un sostegno alle giovani compagnie è accessibile solo da organismi di comprovata storicità e già destinatari di consolidati interventi da parte dello Stato o della Regione.

La richiesta è quindi quella di intervenire sulla Legge per consentirne un reale e corretto funzionamento che possa permettere l’accesso a nuove realtà di qualità e rappresentative della produzione della nostra Regione. Svolgendo così effettivamente le funzioni (come previste dalla lettera dell’articolo 3 comma 2) di “sostenere la produzione di spettacoli finalizzati alla ricerca di nuove forme di comunicazione artistica ed alla valorizzazione delle espressioni artistiche contemporanee …. favorire l’eccellenza artistica e il costante rinnovamento della scena…promuovere nella produzione la qualità, l’innovazione, la ricerca e la sperimentazione di nuove tecniche e di nuovi stili, anche favorendo il ricambio generazionale …”

Al fine di non avere per il settore della produzione una inutile duplicazione nel meccanismo della legge – e cioè al fine di non equiparare l’articolo 6 all’articolo 8 – limitando (come oggi avviene) l’accesso alla produzione ai soggetti che già hanno accesso all’articolo 8 – una strada possibile sarebbe quella di un emendamento dell’articolo 6 comma 1 lettera A che includa espressamente come destinatari i soggetti di cui all’articolo 2 comma 1 lettera L cioè le associazioni di danza,soggetti pubblici o privati, senza scopo di lucro, che svolgono attivtà tersicoree” . Tali attività possono essere sia di promozione che di produzione o di distribuzione ed è questa oggi la veste giuridica e lo status di molte compagnie di ricerca e sperimentazione.

Con la modifica della lettera dell’articolo si arriverà dunque ad una maggiore aderenza con quello che è lo scopo dichiarato dell’articolo che dispone misure  di sostegno a favore  delle attività svolte con caratteristiche e requisiti diversi da quelli di cui all’articolo 8. “Caratteristiche e requisiti” recita l’articolo, ci sembra con  l’intento di fare riferimento ad una differenza con l’articolo 8 che non riguarda i soli paramentri quantitativi.

Si ritiene inoltre che – se durante i lavori preparatori l’intento era con l’articolo 6 di disporre misure di sostegno in favore anche di realtà neocostituite – i parametri di “comprovata storicità, qualificazione professionale e forte valore di innovazione” debbano essere intesi nella loro singolarità e non come somma imprescindibile.

Altra richiesta è quella di interpretare con misure attuative coerenti la lettera e lo spirito dell’articolo 6.

L’articolo 6 dispone il sostegno con requisiti diversi dall’articolo 8 in favore delle attività di produzione, distribuzione e promozione degli spettacoli teatrali, musicali e di danza” (articolo 2 comma 1)

L’articolo 6 pur rimanda espressamente al solo comma 1 dell’articolo 2 e quindi allo spettacolo come genericamente “attività” di produzione, distribuzione e promozione.  Si parla di attività  quindi, e di tutte e tre le attività, e non  di  imprese e organismi di produzione (quelli cui fa riferimento l’articolo 8). Ricordiamo che tali attività sono egregiamente svolte su scala ridotta anche dalle giovani e neocostituite compagnie. In nessun articolo la legge specifica che le associazioni di danza svolgono solo ed esclusivamente attività di promozione. Nè è tantomeno pensabile che l’attività di produzione, seppur regolarmente certificate e documentata non possa essere a pieno titolo cosiderata tale e valida per l’accesso al contributo alla produzione per ben 2 anni se portata avanti da compagnie che non siano già state destinatarie di consolidati interventi da parte dello Stato o della Regione.

Nelle misure attuative dell’articolo 6 viene tuttavia recepita (?) la definizione della articolo 2 lettera m (le imprese e gli organismi di produzione) restringendo l’accesso alla produzione in base all’articolo 6 agli stessi soggetti che hanno già accesso all’articolo 8.

Concludo questo intervento con l’auspicio che si possa trovare un modo per permettere l’accesso alla legge e al settore della produzione alle realtà nuove giovani e meritevoli che rappresentano un tessuto fertile di creatività e di produttività e che rappresentano sia sul territorio regionale che sul territorio nazionale e all’estero il nuovo prodotto culturale e le nuove realtà culturali della nostra Regione.

Ringrazio tutti i presenti per l’attenzione.
Gabriella Riccio

CELL  Amesterdam 2005
danza e testo di Julyen Hamilton
produzione ADME DVD ©

Cell è una meditazione sulla prigionia, che sia essa imposizione o libera scelta. All’interno di un teatro il solista osservato dal pubblico si trova in una sorta di “cella”. Il performer, il pubblico, l’atto di osservare e di essere osservati. È proprio la consapevolezza di questa reciprocità che incornicia l’originale solo danzato, recitato e illuminato da Julyen Hamilton. Sin dagli anni 1970 Julyen Hamilton utilizza nelle sue performances i propri testi che hanno costituito negli ultimi dieci anni, una parte fondamentale e centrale dei suoi soli. La modalità con la quale Hamilton intreccia parole e fisicità del corpo crea un universo nel quale queste si completano e si arricchiscono a vicenda. Il testo parlato coinvolge sempre il corpo e nel suo lavoro questa relazione è continuamente messa in risalto al fine di approfondire il suo potere d’espressione. Parole originate dalle azioni del corpo e movimenti ispirati dalle parole. In Cell è evidente il suo particolare uso del fraseggio, parole e movimenti che si rimpiazzano a vicenda per produrre diversi livelli di significato, alcune volte chiari ed evidenti, altre volte assurdi. Il testo in Cell è sia un poetico monologo che un’immaginaria conversazione tra se e ipotetici altri. Il tempo e l’intensità del movimento sottolineano la forza delle parole indagandole, decostruendole rinforzandole e aumentandone l’impatto emozionale. Cell è stato rappresentato in Spagna, Olanda, Inghilterra, Francia, Belgio, Israele, Finlandia, Grecia, Russia.
Julyen Hamilton ha dedicato gli ultimi trenta anni alla creazione, alla regia e all’insegnamento. Nato in Inghilterra vive tra Amsterdam e Girona (Spagna). Formatosi nel periodo della sperimentazione londinese degli anni 1970, ha sempre creato i suoi lavori secondo un proprio radicale punto di vista.
Julyen Hamilton è divenuto nel corso degli anni uno dei principali e più innovativi performers di danza in Europa. Ha collaborato con molti gruppi creando assoli e coreografie in tutto il mondo. Divenuto esperto della composizione istantanea e dell’improvvisazione come forma di spettacolo, il suo talento si è affinato anche grazie alle ripetute collaborazioni con Pauline De Groots, Mark Tompkins, Carme Renalias, Steve Paxton, Kirstie Simson, Nancy Stark Smith e Katie Duck. Ha fondato la Julyen Hamilton Company con la quale ha sviluppato un lavoro basato sulla capacità dei danzatori ad improvvisare gli spettacoli estemporaneamente.
Dal 1980 il suo interesse per le performances di improvvisazione accompagnate da musica dal vivo ha caratterizzato il suo lavoro. Tra i compositori con i quali ha lavorato ricordiamo Barre Philips, Fred Frith, Le Quan Ninh, Alfred Spirli, Micha Mengelberg.
Tra i suoi soli più famosi citiamo 40 Monologues, che ha debuttato in Inghilterra nel 1995 ed ha poi replicato ininterrottamente negli anni successivi in Europa, e Suite.

E’ stato presentato in luoghi molto differenti, da grandi teatri all’italiana a garages underground. Parte dell’interesse di Hamilton in questo lavoro è di trasformare e coinvolgere la natora di spazi diversi per creare “celle” diverse.

Negli ultimi anni Hamilton ha creato 100 a solo presentati in tutto il mondo. Al momento si occupa di fare coreografie per danzatori, realizare videoe revistare suoni pur continuando a presentare le sue performances in a solo, in gruppo e con musicisti.

www.julyenhamilton.com

ALAIN PLATEL / Les Ballets C. de la B. / Belgio
VSPRS Show And Tell ideazione e regia Alain Platel
regia video Sophie Fiennes  Francia/Gran Bretagna

caosmos / gabriella riccio

martedì 5 maggio 2009 ore 19.00 – 20.30
contemporanea 09 rassegna video a cura di gabriella riccio
presenta

gli autori Alain Platel (coreografia) & Fabrizio Cassol (musica)   Sophie Fiennes (regia)
il video VSPRS Show and Tell – vincitore della XVa edizione del festival Il Coreografo Elettronico (video courtesy of archivio napolidanza)
durata 72′
in Francese con sottotitoli in Inglese

In VSPRS Show and Tell Sophie Fiennes, regista inglese che ha focalizzato la sua produzione sul tema performance e identità, documenta il lavoro discusso ultimo lavoro di Platel e della sua compagnia nel metter in scena VSPRS una performance che esplora la connessione tra fede e follia, muscia antica e danza contemporanea. Traendo ispirazione da documenti filmati d’epoca di carattere medico o etnografico la compagnia di Platel naviga attraverso le complicate manifestazoni fisiche della devozione ed espone l’intersezione tra sacro e profano.

Les Ballets C. de la B. (l’abbreviazione sta per Les Ballets Contemporains de la Belgique, ironico richiamo alle storiche compagnie di balletti del Novecento) è una compagnia di danza contemporanea, multicoreografica, operante in progetti a cast variabile, indissolubilmente legata al nome del suo fondatore, il coreografo, pedagogo e danzatore Alain Platel. La compagnia nasce ufficialmente nel 1984 dal gruppo di amici e artisti con cui Platel aveva cominciato a lavorare applicando sistemi pedagogici. Con lo spettacolo Emma (1984) Platel si afferma come regista, ma è con Bonjour Madame(1993) e La tristezza complice(1995) che Les Ballets C. de la B. conquista l’attenzione internazionale, diventando una delle compagnie di danza contemporanea più interessanti per la ricerca svolta nel campo del teatro-danza e per l’attenzione alle molteplici possibilità di rappresentazione sulla scena.

Il regista Alain Platel ricorda molto bene la prima volta in cui, adolescente, ascoltò il Vespro in una chiesa di Gand, durante una canicolare giornata estiva. Gli strumenti barocchi originali esprimevano una condizione di aspra dissonanza, in cui forse egli vide un legame con quella lacerazione interiore propria della musica tzigana. Qualunque cosa fosse, si trattava comunque di una delle opere più riuscite del repertorio liturgico.

Composto nel 1610, il Vespro della Beata Verginefu il biglietto da visita del compositore Claudio Monteverdi, che in quella fase della sua vita era alla ricerca di un nuovo committente e voleva dimostrare il suo eclettismo: egli non rinnegava certo l’antico, ma aspirava comunque a percorrere vie del tutto nuove. La sua musica non era solo l’espressione di una religiosità collettiva, ma dava spazio anche all’espressione individuale. L’armonia e la melodia restavano fondamentali, ma il contrappunto e la ritmica si caricavano di un’emozione intensa.

In ogni modo, non è certo un’interpretazione semplice e diretta del Vespro quella che propone Platel con vsprs. Egli opta per una via più avventurosa, ed è in questo assistito da Fabrizio Cassol, il direttore musicale del progetto. Cassol arricchisce questo progetto, che prevede l’utilizzo di diverse culture musicali, introducendo il suo trio d’improvvisazione Aka Moon (batteria, sassofono e basso), due musicisti tzigani (violino e contrabbasso), Oltremontano, un gruppo di musica barocca (due trombe barocche e due tromboni) e un soprano. Questo eterogeneo insieme si lascia così ispirare da vari temi del Vespro, alla ricerca di possibilità ancora inesplorate.

Per vsprs, Platel ha riunito dieci danzatori di grande agilità, capaci di prodezze fisiche. Essi provengono da varie parti del mondo, ma non sono certo stati selezionati per le differenze culturali di cui sono portatori: Platel, infatti, cerca piuttosto di formare un gruppo vero, una comunità. I danzatori trovano la loro ispirazione nei cortometraggi che il dottor Arthur Van Gehuchten(1861-1914) dedicò ai suoi pazienti psichiatrici. L’isteria vi raggiunge un grado parossistico sotto forma di movimenti tortuosi, apparentemente del tutto privi di senso. Questi stessi movimenti si ritrovano nei documentari che Jean Rouche girò negli anni Cinquanta in Africa sui rituali dello stato di trance.

Platel adotta un approccio totalmente diverso da quello di Monteverdi. Provenendo da spettacoli nei quali forti personalità erano lo specchio tanto vario quanto vitale dell’universo, egli sembra cercare un mondo interiore in grado di offrire la prospettiva di una più grande solidarietà, anche se solo per il tempo di una rappresentazione. Resta la domanda, tuttavia, se tutto ciò apporti una qualche forma di redenzione. Nelle sue opere precedenti, Platel ha scelto molto spesso la musica barocca, in grado di far scattare sempre una dimensione sublime. A questa dimensione egli opponeva storie d’identità e diversità del nostro mondo. Questi spettacoli mettevano spesso in scena un confronto radicale tra due mondi lontani, il cielo e l’inferno. Sembra che oggi Platel cerchi invece di stabilire un passaggio, un legame tra i due opposti.

Hildegard De Vuyst,
drammaturga di vsprs, novembre 2005

contemporanea 09 rassegna video a cura di gabriella riccio
conversazioni e incontri di avvicinamento alla performance contemporanea ::
una rassegna di video concepita come laboratorio teorico / pratico ::
ogni video sarà accompagnato da una conferenza/seminario intesa come introduzione al linguaggio della performance, della nuova danza e della coreografa d’autore ::
un’ azione di promozione della contemporaneità e di formazione del pubblico a nuovi linguaggi volta a presentare in 6 incontri gli autori,  le strutture, le compagnie, gli spettacoli, le tecniche di alcune delle realtà più rappresentative del panorma attuale ::

gli incontri si rivolgono a tutti
al più ampio ed eterogeneo pubblico
interessato ad approfondire la conoscenza del panorama della performance

gli incontri si tengono ogni martedì dalle ore 19.00 alle 20.30
presso caosmos gallery in via bonito 16  napoli <M> vanvitelli
info 081 578.70.37 – 339.77.77.242
tessera-abbonamento 60€ (sconto per gli studenti 30€)
è gradita la prenotazione (posti limitati)

iscriviti on-line

]]> http://caosmos2000.wordpress.com/2009/04/22/contemporanea-09-martedi-5-maggio-alain-platel/feed/ 1 gabriellariccio http://caosmos2000.wordpress.com/2009/04/15/contemporanea-09/ http://caosmos2000.wordpress.com/2009/04/15/contemporanea-09/#comments Wed, 15 Apr 2009 21:26:05 +0000 admin http://caosmos2000.wordpress.com/?p=1616 ]]>

Contemporanea
PRIMA RASSEGNA VIDEO SULLA NUOVA DANZA E PERFORMANCE
DA MAGGIO A GIUGNO 2009 a NAPOLI

6 APPUNTAMENTI
PER INCONTRARE E CONOSCERE IL MEGLIO DEI NUOVI LINGUAGGI DELLA PERFORMANCE E DELLA COREOGRAFIA D’AUTORE

5, 12, 19, 26 Maggio – 9, 16 Giugno 2009 ore 19.00 – 20.30
PRIMO APPUNTAMENTO: 5 MAGGIO 2009 ORE 19/20.30

CAOSMOS / GABRIELLARICCIO compagnia di danza presenta CONTEMPORANEA conversazioni sulla nuova coreografia d’autore, che per la prima volta in Italia, a Napoli, aprono una nuova prospettiva sui nuovi linguaggi della performance (danza, teatro, musica). A cadenza settimanale, si estenderanno anche al mese di giugno 2009. Presso CAOSMOS GALLERY, gli appuntamenti del mese di maggio sono previsti il 5, 12, 19, 26 maggio ore 19.00 – 20.30 (gli appuntamenti di Contemporanea proseguono a giugno sempre il martedì).

Il 5 maggio viene presentato l’autore belga ALAIN PLATEL con il video vincitore della scorsa edizione del Festival Internazionale di Videodanza Il Coreografo Elettronico dal titolo VSPRS Show and Tell, durata 72′ regia Sophie Fiennes.
Concepite come una serie di seminari/incontri di avvicinamento al linguaggio della coreografia contemporanea, della nuova danza e della performance, le conversazioni sulla nuova coreografia d’autore si rivolgono ad un pubblico ampio, a tutti coloro che, interessati alle nuove forme proposte dalla scena contemporanea, vogliono avere strumenti per leggere e conoscere autori, tecniche, realtà di rilievo a livello internazionale come pure giovanissimi autori emergenti del panorama italiano, europeo ed internazionale.

Contemporanea si rivolge anche a danzatori, attori, scrittori, musicisti, video artisti e dj che vogliano incontrare e confrontarsi in dialogo con altri artisti attraverso la visione di un programma di videodanza e performance di grandi nomi della drammaturgia contemporanea, accompagnato da conversazioni e lectures tenute da Gabriella Riccio, che illustrerà le esperienze ed i linguaggi dei grandi maestri di volta in volta presentati.

Gabriella Riccio: “C’è una vera esigenza di comprendere i riferimenti per fruire a fondo di un’opera. La performance contemporanea e la coreografia d’autore in Italia, in Europa e nel mondo ha avuto sviluppi estremamente interessanti ma spesso le compagnie e le realtà più interessanti non riescono ad arrivare in Italia e a Napoli oppure le vediamo programmate raramente e per il pubblico è necessaria una frequentazione e una consuetudine. Contemporanea è un programma di promozione della performance e della danza contemporanea e di formazione del pubblico, ed intende sviluppare la capacità di vedere e leggere la nuova performance, fare conoscere le realtà di maggiore rilievo come pure autori minori di particolare interesse. Contemporanea vuole coinvolgere attivamente il pubblico, come spesso ho cercato di fare anche attraverso i lavori che ho proposto in scena, farlo uscire dalla passività che lo vede come contenitore ricevente e dare voce al pubblico creando un’abitudine a parlare della danza, ad avere un confronto aperto e accogliente in un ambiente più raccolto come quello offerto da Caosmos Gallery dove si può avere lo spazio non solo per la visione ma anche per la conversazione.
E’ un piacere aprire la rassegna presentando un autore che ho avuto modo di incontrare personalmente nel 2000 collaborando con il Romaeuropa Festival prestigiosa istituzione di rilievo internazionale e una delle realtà di maggiore rilievo per la performance contemporanea in Italia.”

Contemporanea
5, 12, 19, 26 maggio ore 19.00 – 20.30 (gli incontri proseguono a giugno 09 ogni martedì)
Ingresso riservato ai soci dell’associazione Caosmos (tessera 60 euro per 6 incontri)
Caosmos Gallery, Via Bonito 16, Napoli, Info: 081 5787037
Trasporti: Metropolitana Vanvitelli, Funicolare centrale (piazza Fuga), Funicolare Montesanto (Morghen)

di Giuseppe Sedia

Un reading dinamico e confessionale. Un’installazione sonora. Una coreografia in bilico tra sacro e profano. E la tensione sfuggente tra due corpi che non vuole risolversi in una presa…

pubblicato martedì 14 aprile 2009
La pedana polverosa del palazzo appartenuto alla famiglia Spinelli dei Principi di Tarsia registra le vibrazioni sonore prodotte dai corpi di Gabriella Riccio e Paolo Rudelli, che aprono le danze con un reading notturno, bisbigliato, raccolto. I due lettori-danzatori procedono a fari spenti, leggendo a turno brandelli di testi filosofici, letterari, religiosi dispersi nelle pile di libri collocate agli otto angoli della pedana polverosa del teatro. Otto postazioni di lettura per altrettanti punti luce che emergono dal buio nell’atto stesso di leggere. Baudrillard, Mishima, Bergson, Dante et aliter vengono bisbigliati con l’aiuto di piccole torce.
I corpi sono adagiati al suolo, contravvenendo alle regole di buona postura che una lettura in pubblico richiederebbe. Un reading dinamico, nel quale Riccio-Rudelli attraversano con traiettorie diagonali la pedana alla ricerca di nuove citazioni per emergere dal buio. Una lettura in movimento eppure discreta, quasi confessionale che preannuncia i momenti di danza nella seconda parte della performance.
Le citazioni lette, agite, attraversate mettono finalmente in movimento i due corpi di Noli me Tangere in attesa delle repliche estive al Dock11 di Berlino. I corpi – non ancora eretti – tastano il terreno, utilizzando le proprie gambe come compassi per misurare lo spazio che li circonda. La danza deprivata da ogni sostegno musicale viene riportata alla sua dimensione tattile. Il ritmo sonoro è dato soltanto dalle risonanze dei corpi nello spazio scenico catturate in presa in diretta, e re-immesse in circolazione da un mixer a quattro canali.
All’inizio della performance nessun avrebbe scommesso sul fatto che le otto torce impiegate per la lettura diventassero oggetti di scena a pieno titolo. Riccio e Rudelli le spostano al centro del palco, disponendole in due file prima di puntarle verso la parte sinistra della pedana.
Le “torce delle ribalta” illuminano gli artisti che danzano a due sulle note di una ballata calda e ruvida di Vinicio Capossela. I danzatori procedono con movimenti lenti e fluidi mentre le braccia si sfiorano intrecciandosi verso l’alto alla ricerca di una sorta di ascensione fisica, laica come in una versione astratta delle pantomime di Etienne Decroux.
Riccio e Rudelli si spogliano, affidando ancora alle torce il compito di creare una nuova configurazione scenica. I loro corpi si adagiano al suolo iscrivendo la loro posizione all’interno di due croci, suggerite dalla nuova disposizione delle luci. Le torce illuminano le piante dei piedi e i palmi delle mani come i chiodi di una doppia crocifissione.
Forse il punto di forza di Noli me Tangere risiede proprio nella scelta consapevole di lasciare irrisolta la tensione tra sacro e profano. Una tensione sfuggente evocata attraverso i corpi dei danzatori che sembrano scivolare l’uno sull’altro soltanto per non afferrarsi.

spettacolo visto il 2 aprile 2009
arteatro è una rubrica a cura di piersandra di matteo

www.exibart.com

di Stefano De Stefano
Corriere del Mezzogiorno

In tempi di scritture sceniche e di nuove drammaturgie del corpo, l’esperimento proposto da <<Noli Me Tangere>> stasera al Tin, rappresenta un segnale intrignte lansciato alle attuali strade della ricerca teatrale. Perchè nei 50 minuti costruiti con meticolosa attenzione da Gabriella Riccio e Paolo Rudelli si fondono più codici linguistici: dal reading recitativo e testuale alla danza contemporanea, dalla musica elttronica alla letteratura. Una partitura complessa e seducente in cui due corpi danno vita ad una sorta di bondage fisico, con le braccia che si intrecciano come lacci pur sfiorandosi con leggerezza. Anzi per meglio dire usando il contatto come una battuta musicale in levare, e che si realizza in cue ambienti, uno sonoro e uno letterario. Che fanno da sfondo all’assolo dei due performer, simili a monadi, che si trasforma in un passo a due che parla di corpo e divinità. Un tracciato in cui il titolo si rifà al saggio del filosofo francese Jean-Luc Nancy sull’essere singolare plurale, ma anche all’episodio narrato dal Vangelo di Giovanni con Gesù che avrebbe chiesto a Maria Maddalena di non toccarlo subito dopo la sua resurrezione. Un filo conduttore irrobustito anche dagli scritti di Baudelaire, Dante, Anais Nin, Goethe, Jung , Giddens e Murakami, tutti autori presenti nella personale libreria della Riccio e da lì riportati in scena, non senza un pizzico di erotismo, fisico ed intellettuale.

]]> http://caosmos2000.wordpress.com/2009/04/05/noli-me-tangere-tra-erotismo-e-intrecci-di-stefano-de-stefano/feed/ 0 gabriellariccio http://caosmos2000.wordpress.com/2009/04/03/noli-me-tangere-sentire-linsensibile-ed-esserne-presi/ http://caosmos2000.wordpress.com/2009/04/03/noli-me-tangere-sentire-linsensibile-ed-esserne-presi/#comments Fri, 03 Apr 2009 20:26:14 +0000 admin http://gabriellariccio.wordpress.com/?p=1535 ]]> originale articolo formato .pdf

di Alessia Cozzolino

Ieri al T.I.N. Teatro Instabile di Napoli prima per la stampa di Noli me Tangere. E’ un titolo molto evocativo  quello dello spettacolo di Gabriella Riccio e Paolo Rudelli. Propriamente indica il non contatto che genera il desiderio del contatto stesso, esso si sviluppa in divenire, come scoperta/rivelazione di un’ arte . Arte che si esplicita attraverso  il reading e soprattutto la danza e il pensiero.
Lo spettacolo si apre con una lettura di testi provenienti intermente dagli scafali della libreria di Gabriella Riccio.  Due corpi semi nudi si sussurrano celebri versi alternando, Baudelaire a  Dante, Nin, Goethe, Jung, Giddens, Murakami e ancora altri in una scatola sonora viva sofisticata e minimale.
Diverse lingue, diverse scritture, scelte tra testi di filosofia, poesia, letteratura, parlano e ruotano intorno al corpo, all’intimità, alla relazione, al divino, al Cristo, costruendo la base ritmica e simbolica dell’intero spettacolo.
In mezzo a delle luci soffuse i due protagonisti si spogliano, si ricorrono, si scansano, regalando 25 minuti di strabiliante forza evocativa. Poi quei due corpi così distanti finalmente si sfiorano e si toccano in un finale di straordinaria tensione. Una performance d’arte e teatro,  in cui si intersecano le tematiche del contatto, possesso che finisce per divenire proprietà. Il tema della non accettazione della morte provocato dall’improvviso distacco dal corpo.
Due ambienti, uno musicale e uno letterario, fanno da sfondo attivo a un assolo di monadi, che si trasforma in un passo a due che parla di corpo e divino, intimità.
Chiari riferimenti anche alla religione cristiana, è evocata la figura della Maddalena ‘peccatrice colpevole’ di aver ceduto alla tentazione della carne.
Il Noli me Tangere è una performance intrigante e nuovissima per linguaggi, che vanta repliche internazionali.  Dal 30 Luglio al 2 Agosto sarà infatti  ospite del teatro Dock11 di Berlino. Una nuova piece che la coreografa e regista Gabriella Riccio portata sulle scene insieme a Paolo Rudelli, autore dell’ambiente sonoro elettronico, dopo che lo studio omonimo dello spettacolo era stato già ospitato a TRANSITIDANZA 2008 – spazi per la danza contemporanea, progetto interregionale Piemonte-Lazio-Campania promosso da Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dall’ETI Ente Teatrale Italiano, al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli.
“In Noli me tangere –spiega Gabriella Riccio – ho scelto di leggere dei frammenti da alcuni libri della mia biblioteca: sono testi forti e testi che in un certo senso contengo come un pozzo. I frammenti vengono offerti in modo causale, non definito, lasciando apparire al momento della performance ciò che vuole manifestarsi, e che anche per noi in scena è un’epifania. Ma le frasi, le evocazioni sono sempre fortissime suggestioni che stabiliscono un precedente e lasciano una traccia incisa nella memoria. Su questa traccia si apre e costruisce la performance.  Quando scrivo e immagino la coreografia di un nuovo spettacolo, è importante per me lasciare delle strutture aperte, in un certo senso lo spettacolo è sempre nuovo e si rinnova sempre, anche per noi che siamo dentro e questo ci avvicina molto di più alla condizione neutra, aperta allo stupore, che in altre drammaturgie, di solito, sembra appartenere solo al pubblico. Leggere i libri come si fa la sera, a letto, prima di addormentarsi, leggere a se stessi, lasciarsi bagnare dalle parole, anche questo è Noli me tangere.”

L’appuntamento con la prima nazionale è previsto per sabato 4 domenica 5 aprile ore 21.15 T.I.N. Teatro Instabile Napoli (NA) .

Lasciatevi sfiorare e perdetevi nell’insensibile!

www.capitoloprimo.it

sabato 4  e domenica 5 aprile 2009 ore 21.15
NOLI ME TANGERE prima nazionale
t.i.n. teatro instabile napoli vico Fico Purgatorio ad Arco 38, Napoli
info e prenotazioni 338.47.31.271
ingresso €10 ridotto €8

si parte da un gap / tempo che separa /spazio incolmabile tra gli esseri umani / distanza – discrepanza spazio-temporale / una distanza delle fasi dell’essere / il tempo-distanza momentaneo / un lasso / vuoto / interruzione / che tende a / che lascia intendere un / continuum / noli me tangere / non toccarmi / non trattenermi / Cristo trasfigurato che pronuncia alla Maddalena / impazienza -  urgenza / lacerante anche talvolta / come nell’atto creativo / performativo / non trattenermi da ciò che devo compiere adesso / perché è etico che l’arte sia / e forse anche scandalosa è l’urgenza di questa etica / dello scoprire / del mostrare / mostrarsi esposti / andare verso/ un’azione irrinunciabile / ma / anche tabù / del contatto / del lasciarsi penetrare / del lasciare infrangere e / corrompere la nostra sfera di individui / la tendenza a non volere mutare di stato / rinunciare all’Io / andare oltre / in quanto la rinuncia alla corruzione è sterile / atto non fertile / il monito diventa quindi lacerante / memento a seguire una via della trasfigurazione / di un contatto con / l’impalpabile conoscenza di sè / del proprio dovere di compiersi  [gabriella riccio]

progetto coreografia e danza Gabriella Riccio, Paolo Rudelli / regia Gabriella Riccio / assistente regia Mario Esposito / ambiente sonoro Paolo Rudelli / ambiente letterario Gabriella Riccio / disegno luci Paolo Rudelli / foto di scena Piero Cremonese / produzione caosmos – cia gabriellariccio 2008 / presentato in anteprima nazionale a Transitidanza 2 spazi per la danza contemporanea progetto interregionale Piemonte Lazio Campania promosso da MIBAC, ETI Ente Teatrale Italiano

ufficio stampa Diana Marrone pr/undercover ph +39 349 5517623 prundercover [@] gmail.com

ufficio stampa Diana Marrone pr/undercover ph +39 349 5517623 prundercover [@] gmail.com

Napoli marzo 2009 – 25 minuti di strabiliante forza evocativa, poi i due corpi protagonisti finalmente si sfiorano e si toccano in un finale di straordinaria tensione. Una performance d’arte e teatro, dentro una scatola sonora potentissima, ideata e cucita apposta ad una serie di letture che mischiano saperi e messaggi (filosofici, poetici, letterari). E si intersecano mirabilmente alle tensioni della danza. Soggetti: corpo, intimità, relazione e divinità.

Questo è Noli me Tangere performance intrigante e nuovissima per linguaggi; una nuova piece che la coreografa e regista Gabriella Riccio porta sulle scene insieme con Paolo Rudelli, anche autore dell’ambiente sonoro elettronico, dopo che lo studio omonimo dello spettacolo era stato già ospitato a TRANSITIDANZA 2008 – spazi per la danza contemporanea, progetto interregionale Piemonte-Lazio-Campania promosso da Ministero per i Beni e le Attività Culturali e dall’ETI Ente Teatrale Italiano, al Nuovo Teatro Nuovo di Napoli.

Noli me Tangere è arte, teatro, musica live, reading e, soprattutto azzardo: quella di presentare un nuovo mondo della performance incentrato sulla danza che coinvolge, a teatro e al pari, musica live contemporanea, danza e pensiero attraverso l’utilizzo di nuove tecnologie elettroniche e di ambienti sensibili applicati alla performance.

Noli me Tangere può anche descriversi come una sofisticata e minimale installazione per suono incarnato e corpo sonoro: una scena nuda presenta una serie di microfoni in cerchio, adagiati su pile di libri. Risonanza, ascolto e memoria sono le cifre stilistiche di questa piece, rese evidenti dal complesso meccanismo di produzione sonora live che sfrutta ogni movimento in scena per produrre azione, grazie alla captazione e missaggio in presa diretta.

Gabriella Riccio: “in Noli me tangere ho scelto di leggere dei frammenti da alcuni libri della mia biblioteca: sono testi forti e testi che in un certo senso contengo come un pozzo. I frammenti vengono offerti in modo causale, non definito, lasciando apparire al momento della performance ciò che vuole manifestarsi, e che anche per noi in scena è un’epifania. Ma le frasi, le evocazioni sono sempre fortissime suggestioni che stabiliscono un precedente e lasciano una traccia incisa nella memoria. Su questa traccia si apre e costruisce la performance.

Quando scrivo e immagino la coreografia di un nuovo spettacolo, è importante per me lasciare delle strutture aperte, in un certo senso lo spettacolo è sempre nuovo e si rinnova sempre, anche per noi che siamo dentro e questo ci avvicina molto di più alla condizione neutra, aperta allo stupore, che in altre drammaturgie, di solito, sembra appartenere solo al pubblico. Leggere i libri come si fa la sera, a letto, prima di addormentarsi, leggere a se stessi, lasciarsi bagnare dalle parole, anche questo è Noli me tangere.”

Diverse lingue, diverse scritture, scelte tra testi di filosofia, poesia, letteratura, parlano del – e ruotano intorno al – corpo, all’intimità, alla relazione, al divino, al Cristo, costruendo la base ritmica e simbolica dell’intero spettacolo.

Lo spettacolo legge e danza oltre a Jean-Luc Nancy ed al suo Noli Me Tangere che dà il titolo all’ultimo lavoro di Caosmos/cia Gabriella Riccio, brani di Antony Giddens (La trransformation de l’intimité), Henri Bergson (Durata e simultaneità, Materia e Memoria), Jean Baudrillard (Lo scambio simbolico e la morte), Alexander Lowen (Il narcisismo, Il linguaggio del corpo), Carl Gustav Jung (L’uomo e i suoi simboli), Roloff (Gesù), Mazzocchi, Forlani , Tallarico (Il vangelo secondo Matteo e lo Zen), Rousseau – (Essay sur l’origine des langues), il libro de I ching, Yukio Mishima (Confessioni di una maschera), Anais Nin (Incesto, Il Delta di Venere), Nijinsky (Diari), Murakami (Norwegian Wood), Cortàzar (Storie di cronopios e di fama), Ted Huges (Cave Birds), André Frénaud (Il n’y a pas de Paradis), Goethe (Romische Elegien) Edmond Rostand (Cyrano de Bergerac), Baudelaire (Lo spleen di Parigi), Dante (Paradiso, Purgatorio, Inferno).

Mario Esposito (scrittore e musicista con Superlowed):

“Noli me tangere. Non toccarmi. E invece: toccami. Attraversami. Noli me tangere è cosa che afferma il suo contrario e non contraddice. Perché attua con l’artificio poetico della danza, dell’alambicco dei corpi in movimento, una sana e profonda coincidentia oppositorum. Muta il nero oleoso dell’animo, il vischio brunastro della consuetudine, nel bianco arioso del più sincero dialogo tra gli esseri. Il problema della comunicazione è il problema dell’individuazione. Io corrisponde all’altro. Risolvere questo problema significa sciogliere. Solvere. Le cose composte saranno sciolte. L’altro è l’individuo. E allora bisogna comporre un cerchio sulla scena, come a intendere un rito. Bisogna che a una babele di testi impilati si fonda il linguaggio distonico dei corpi per evocarne uno nuovo e indefinitamente armonico. Bisogna che il corpo abbia voce e dica il non detto. Il corpo de l’uomo e de la donna. Materia sonora. Due voci che si cercano, si attraggono, respingono. Infine, dunque, comunicano. Si rispondono. Su tutto: Dicono a nome di tutti. Non puoi impedirmi di andare. Di trovare l’altro. Ecco una crocifissionen luminosa, eccole – bellissime – otto piaghe di luce. Perché qualcosa di noi ha da essere sacrificato per intendere l’altro. Per essere compreso e esserne compresi. Cupio dissolvi. Voglio morire ma solo per nascere nuovamente. Noli me tangere. Non toccarmi. Ovvero, ora, qui: toccami. Attraversami.

Ruggiero Guarini (editorialista Corriere della Sera, ed. Del Mezzogiorno):

“Non sapevo che le idee di Jean Baudrillard, il filosofo francese morto a Parigi il 6 aprile scorso, avessero prodotto, proprio a Napoli, degli effetti anche nel mondo della danza. (…). Un omaggio a Baudrillard (parola di Gabriella Riccio, la coreografa napoletana che lo concepì e diresse) alla sua concezione “del corpo contemporaneo come corpo macchina, corpo oggettivizzato, corpo plastificato, irraggiungibile, intoccabile, esibito”.

]]> http://caosmos2000.wordpress.com/2009/03/15/4-e-5-aprile-noli-me-tangere-a-tin-teatro-instabile-napoli/feed/ 0 gabriellariccio locandina NOLI ME TANGERE Gabriella Riccio & Paolo Rudelli foto Piero Cremonese http://caosmos2000.wordpress.com/2008/12/22/korpersprache-il-video-ieri-al-pan-palazzo-delle-arti-di-napoli/ http://caosmos2000.wordpress.com/2008/12/22/korpersprache-il-video-ieri-al-pan-palazzo-delle-arti-di-napoli/#comments Mon, 22 Dec 2008 20:27:47 +0000 admin http://gabriellariccio.wordpress.com/?p=1313 ]]> Ieri al PAN Palazzo delle Arti di Napoli, il festival internazionale di videodanza IL COREOGRAFO ELETTRONICO nell’ambito di TRANSITIDANZA2 spazi per la danza contemporanea progetto interregionale Campania Lazio Piemonte promosso dal MIBAC e dall’ETI ha presentato il video di KORPERSPRACHE con introduzione dell’autrice-coreografa Gabriella Riccio

Noli me tangere é l’installazione per suono incarnato e corpo sonoro, filiazione diretta dell’omonima performance e studio in divenire dei coreografi/creatori Gabriella Riccio e Paolo Rudelli. Una scatola sonora aperta e calpestabile in cui l’individuo muta da spettatore a interlocutore e generatore di senso. Attraversarla significa.
Noli me Tangere risponde intimamente alle sensibilità individuali, amplificandole, sovraesponendole, mostrandone inattese sfaccettature.
Un domesticissimo orecchio di Dionisio, in cui permane l’eco dei corpi ronzanti dei due artisti, con cui a volte – se si accetta la suggestione e ci si lascia attraversare –  pare quasi di intrecciare un dialogo fuori tempo massimo. Risonanza, ascolto e memoria. Il senso stesso dello studio in divenire.

produzione caosmos
concept gabriella riccio e paolo rudelli
ambiente sonoro by paolo rudelli
ambiente letterario by gabriella riccio

fino al 27 dicembre 2008 (off 24 e 25)
lun-dom dalle 18.00 alle 20.30
Caosmos Gallery, via G. Bonito 16 Napoli
tel 081 5787037 – 339 77 77 242
caosmos@caosmos.it

NOLI ME TANGERE
studio in divenire

durata 25′

un progetto coreografia e danza Gabriella Riccio e Paolo Rudelli
produzione cia GABRIELLARICCIO / CAOSMOS

in collaborazione con Collectif  Lick The Toad

TRANSITIDANZA2
pazi per la danza contemporanea
progetto interRegionale Piemonte-Lazio-Campania
promosso da MIBAC ETI

Gabriella Riccio / Achille Succi / Paolo Rudelli

IMPRO 04.NOV.08 >> VEDI

ACHILLE SUCCI Saxophonist, bass clarinetist born in Modena on 1971. Mainly self-taught, he attended Siena Jazz and D.Liebman’s Masterclasses. Together with Fabrizio Puglisi and Alberto Capelli he founded the “Atman” group, with whom he performed with famous guests such as Louis Sclavis, Ab Baars and Ernst Rejiseger. Beside his own Ensemble and duo with bass player Salvatore Maiore, Achille Succi takes also part in many musical projects, among those the “Othello Suite” of Uri Caine, “Circulez!” of Louis Sclavis, “Belcanto” of Ettore Fioravanti, “Gramelot ensamble” of Simone Guiducci, “Urban Raga” of Paolino Dalla Porta, “Nexus” di T.Tononi e D.Cavallanti, “Dolmen orchestra” of Nicola Pisani, “P.Centauri Orchestra” of Giorgio Gaslini and the “Eleven” of Franco D’Andrea; he also took part in many CD and concerts in Europe and in the world with various groups and musicians, italians and foreigns. As winner of the “Pépinières Europeénnes pour jeunes artistes” he had been guested by the Copenhagen rhythmic conservatory, where he began a collaboration with the danish composer Pierre Dorge and his “New Jungle Orchestra”, who brought him touring in Scandinavia, Brasil and Australia. As bandleader Achille Succi released two cds, Shiva’s dance” and “Terra”, he also take part of a duo project with bass player Salvatore Maiore, with whom released “Pequenas flores do inferno”.All of those works got many positive critics from all national newspaper and Jazz magazines. He is teaching saxophone and clarinet at the civic school of Nonantola (Modena), and held jazz improvisation workshops and masterclasses at the Roccella Jonica Jazz Festival, “Tonelli” musical institute(Carpi), in Tollo (Pescara), Corropoli (Teramo), Lecco and Ferrara. Since 2001 he is among the teachers of the famous SienaJazz summer workshops and since 2006 he is teaching improvisation techniques on clarinet at the Conservatory of Ferrara.

www.myspace.com/achillesucci

na raccolta di frammenti delle immagini utilizzate per ECHO RESONANCE & MEMORY .  ”Requiem per il mio Eco”.

Gabriella Riccio

… While Landay explores how to bring music into a virtual environment, Neil Leonard is doing the opposite by bringing virtual music into real environments. Leonard’s work began in Italy in May with a site-specific sound installation in the medieval city of Padova. The piece uscir ad ascoltar le stelle…, was performed as part of a citywide music festival called the Giornata dell’Ascolta (or Listening Day). Leonard’s piece was unveiled at the entrance of the Santa Maria dei Servi Church, in the midst of a 400-meter installation in the porticos of Padova’s historic district, along via Roma, the city’s central artery.As listeners entered the church for Sunday Mass, they experienced a sound-collage broadcast from three speakers arranged as an audio triptych. The piece required that Leonard and his collaborator, composer Professor Maura Capuzzo of Venice Conservatory, develop 10 hours of continuous, nonrepeating sound. With the aid of computer processing, the two extracted, exaggerated, and juxtaposed aspects of sacred and ritual sounds from around the world to create a sonic statement.

Titled Echo Resonance & Memory, the second phase of Leonard’s project is an installation developed in conjunction with Italian choreographer Gabriella Riccio and video artist Alia Scalvino.* The work was performed in a small village on the side of Mount Vesuvius, Napoli, in late May. It was based on a surround-sound collage of recordings of an outdoor modern art piece constructed from a cluster of weathered church bells by Italian conceptual artist Jannis Kounellis, at La Marrana, the private estate for environmental art in La Spezia. Rather than presenting the installation on a traditional stage, the three artists performed simultaneously in the passageway of a historic building. Leonard’s prerecorded processed sounds and live saxophone playing accompanied Riccio’s movement and Scalvino’s live video creating an echoing conversation that explored the work’s themes.

“Unlike a traditional piece with a beginning, middle, and end, this piece has no fixed point for the audience to focus on,” Leonard says. “We’re seeking to create something conducive to contemplating this site – a beautiful village on the side of an active volcano.” Later this summer, Leonard and his collaborators will perform Echo Resonance & Memory at the national Italian theater triennial in Napoli, Napoli Teatro Festival Italia.

In July, the third phase of the project brings Leonard to Germany to codirect a multimedia performance ensemble at the Folkwang Hochschule in Essen. He will work with visual artists and computer musicians to enable his saxophone and computers to produce a live feed that will be “played” by kinetic sculptures equipped with light pens that will draw video images in response to the musical performance. The sculptures were created by Professor Claudius Lazzeroni.

Newbury Comics Faculty Fellowship will continue to promote the experimental, forward-looking work various faculty members have long pursued. “Berklee is a school of contemporary music, and contemporary musicians of all eras have collaborated with dancers, writers, visual artists, and architects,” says Leonard. “I feel what I am doing is consistent with that tradition.”

BERKLEE TOADAY

read full article on BERKLEE TODAY

scarica originale articolo formato .pdf > BERKLEE TODAY summer 2008

immagini dal laboratorio residenziale della cia GABRIELLARICCIO presso Il Torchio di Somma Vesuvana (Na) per GUERRILLA REMIXED produzione per ZAC Zona di Attacco Creativo nell’ambito del Napoli Teatro festiva Italia

GUERRILLA REMIXED fase 1, 2, 3, 4P  (incursioni di danza urbana)
una creazione di Gabriella Riccio (2008)

idea e coregrafia Gabriella Riccio
produzione cia GABRIELLARICCIO / CAOSMOS

in collaborazione con Il Torchio spazio per le arti d Somma Vesuviana

crediti: Guerrilla Remixed è una creazione ad hoc per il progetto Z.A.C. – Zona (di) Attacco Creativo nell’ambito del Napoli Teatro Festival Italia

scarica programma formato .pdf ZAC Zona di Attacco Creativo

Aperto a chi ha superato le fasi 0.1 e 0.2 del laboratorio e finalizzato alla realizzazione di performance urbane nell’ambito del progetto ZAC Zona di Attacco Creativo per il Napoli Teatro Festival Italia.